lunes, 22 de diciembre de 2014

Michel Chion: "Musiques concrètes 1970-71"

Michel Chion
Musiques concrètes 1970-71
(Brocoli 016)

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En edición limitada a las 500 unidades, el sello Brocoli presentó el pasado mes de noviembre "Musiques concrètes 1970-71", un CD con obras de juventud del compositor francés Michel Chion (Creil, 1947). Concretamente, el registro contiene las que resultan ser sus primeras siete creaciones de música concreta, seis de ellas hasta ahora inéditas en disco ('Etude d'après Beethoven' fue incluida ya en su álbum recopilatorio "L'Opéra concret", aparecido en 1998).

De las siete piezas incluidas, Chion realizó 'Train de pianos', 'Sonatine', 'Habanera' y 'Le Ciel tremble' en 1970 por sus propios medios, mientras que 'Etude d'après Beethoven', 'L'Oiseau en cage' y 'Blanche', las compuso en 1971 en los estudios del Groupe de Recherches Musicales (GRM). Chion había ingresado en el grupo precisamente en 1971, tras haber cursado estudios musicales en los Conservatorios de París y Versalles, y estudios literarios en la Universidad de Paris-Nanterre. Como integrante del GRM hasta 1976, además de componer, ejerció como asistente de Pierre Schaeffer en el Conservatorio de París, como productor de programas radiofónicos, y fue también responsable de las publicaciones del grupo.

Chion era entonces un joven veinteañero con ideas ya muy claras acerca de la música. Mostraba una singular inclinación hacia una composición directa y experimental con los sonidos. Sonidos que el compositor podía hallar y captar tal y como se ofrecían en la realidad, en el ambiente, pero que también podía originar o dirigir él mismo como eventos claramente intencionales antes de ser grabados.

Precisamente, esos primeros trabajos de Chion que aquí nos ocupan resultan, en este caso, indicativos de la predisposición del autor a ser él mismo el causante del material sonoro con el que crearlos. Un material que en su mayor parte lo constituyen aquí instrumentos musicales como el sintetizador, la flauta dulce, la guitarra, la voz y, por encima de todos ellos, el piano. Ya sea este preparado o no, lo cierto es que, en mayor o menor medida, está presente en las siete piezas del registro. Incluso 'Train de pianos', pieza cuya duración (33 minutos) ocupa casi la mitad de todo el programa, está dedicada por completo a este instrumento.

Del conjunto de fuentes sonoras utilizadas, Chion obtiene resultados audibles francamente sugestivos. Traza, modela y organiza los sonidos microfónicos con una inventiva artesanal única. Los concisos movimientos internos que integran estas obras de la sono-fijación están hechos de texturas vivas, de resonancias hechizantes, de entusiasmo creador. Relata con el estrépito y el silencio, el soplido, la agitación, dotando continuamente al flujo sonoro de una inestabilidad esencial.

"Musiques concrètes 1970-71" CD: 1. 'Blanche' op. 7, 1971 (à Jean-Pierre et Catherine Colas; 8 mouvements); 2. 'Sonatine' op. 2, 1970 (3 mouvements); 3. 'L'Oiseau en cage' op. 6, 1971; 4. 'Le Ciel tremble' op. 4, 1970 (sur un poème de Pascal Fleury); 5. 'Habanera' op.3, 1970; 6. 'Train de pianos' op. 1, 1970 (15 mouvements); 7. 'Etude d'après Beethoven' op. 5 1971 (d'après le début du 16e Quatuor).

Formato: CD; Duración total: 70:56

miércoles, 10 de diciembre de 2014

Varios Artistas: "Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964"

Varios Artistas
Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964
(80762-2)

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Del conjunto de conciertos producidos por el colectivo americano de artistas experimentales San Francisco Tape Music Center (SFTMC) a lo largo de sus cinco años de existencia, los celebrados en la primavera de 1964, en el marco del denominado Tudorfest, fueron de los más significativos.

Pauline Oliveros, compositora e integrante fundadora del SFTMC, impulsó este festival con voluntad de homenajear al eminente músico David Tudor (1926-1996) por su maestría y constante apoyo prestado a la música de numerosos autores contemporáneos. Boulez, Stockhausen, Bussotti, Feldman, Brown, Wolff y, sobre todo, Cage, fueron algunos de los compositores afortunados de haberle tenido como intérprete de sus obras.

A solicitud pues de Oliveros, el homenajeado se encargó de elegir el repertorio con el que constituir su propio festival. Ofrecidos en doble sesión, los tres programas confeccionados incluyeron trabajos de John Cage (34'46.776''; 'Music for Amplified Toy Pianos'; 'Variations II'; 'Atlas Eclipticalis with Winter Music, Electronic Version'; 'Concert for Piano and Orchestra'; 'Cartridge Music'; 'Music Walk'), Pauline Oliveros ('Duo for Accordion and Bandoneon with Possible Mynah Bird Obbligato'), Toshi Ichiyanagi ('Music for Piano No. 4'; 'Music for Piano No. 4, Electronic Version'; 'Sapporo'), Alvin Lucier ('Action Music for Piano, Book I, 1962') y George Brecht ('Card Piece').

Tudor fue, cómo no, el ejecutante protagonista en todo el repertorio presentado, si bien contó, en no pocas ocasiones, con la colaboración interpretativa de músicos componentes o simpatizantes del SFTMC. Singularmente con la de Dwight Peltzer al piano en 34'46.776, la de Pauline Oliveros en 'Duo for Accordion and Bandoneon' así como en la versión no electrónica de 'Music for Piano No. 4', o la de ellos dos mismos junto a otros como Morton Subotnick, Ramon Sender, Stuart Dempster, Warner Jepson, etc... en las realizaciones participativas 'Music Walk', 'Atlas Eclipticalis...', 'Concert for Piano and Orchestra' y 'Catridge Music'.

La edición en triple CD que ahora presenta New World Records, "Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964", contiene grabaciones de nueve de las trece obras ofrecidas en el Tudorfest. Quedan fuera, al parecer por la excesiva preponderancia que el aspecto visual de los siguientes trabajos jugó sobre la propia música: 'Action Music for Piano', 'Card Piece', 'Sapporo' y 'Music for Amplified Toy Pianos'. Como ya es habitual en los registros que brinda el sello estadounidense, este también viene acompañado de un extenso y documentado libreto.

"Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964"

CD 1: 1. John Cage 34'46.776'' (1954); 2. Pauline Oliveros 'Duo for Accordion and Bandoneon with Possible Mynah Bird Obbligato' (1963-64); 3. Toshi Ichiyanagi 'Music for Piano No. 4' (1960).

CD 2: 1. Toshi Ichiyanagi 'Music for Piano No. 4, Electronic Version' (1960); 2. John Cage 'Variations II' (1961); 3. John Cage 'Music Walk' (1958).

CD 3: 1. John Cage 'Atlas Eclipticalis with Winter Music, Electronic Version' (1961); 2. John Cage 'Concert for Piano and Orchestra' (1957-58); 3. John Cage 'Cartridge Music' (1960).

Formato: 3CD: Duración total: 186:36

lunes, 1 de diciembre de 2014

Roberto Gerhard: "Electronic explorations from his studio + The BBC Radiophonic Workshop 1958-1967"

Roberto Gerhard
Electronic explorations from his studio + The BBC Radiophonic Workshop 1958-1967
(SR378)

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La música electrónica de Roberto Gerhard (Valls, Tarragona, 1896 - Cambridge, 1970) fue objeto de un proyecto de investigación desarrollado a lo largo de 2012 en el Reino Unido: en el Departamento de Música de la Universidad de Huddersfield y en la Biblioteca de la Universidad de Cambridge. Proyecto que dirigió el compositor y profesor de música electrónica Monty Adkins y en el que también intervinieron el compositor e investigador Carlos Duque, así como el musicólogo e investigador asociado Gregorio García Karman. Los tres juntos emprendieron una serie de actuaciones encaminadas a recuperar y divulgar esa música del compositor catalán.

Una música pionera que Gerhard realizó desde su exilio inglés durante su última etapa compositiva, aproximadamente entre 1954 y 1967. Tanto su propio estudio doméstico, al que sencillamente denominó como "Home Office", como el célebre BBC Radiophonic Workshop constituyeron sus dos laboratorios de experimentación sonora. Trabajó efectivamente para la BBC en diversas producciones radiofónicas, pero también elaboró composiciones de sonido para teatro, cine y televisión. Además, su ambición y afán explorador le llevaron a crear su propia música electrónica de concierto. A este específico conjunto de obras, hasta ahora inéditas, se ciñe precisamente el presente registro aparecido en el sello Sub Rosa el pasado mes de octubre: "Electronic explorations from his studio + The BBC Radiophonic Workshop".

En el proceso de catalogación y digitalización del archivo sonoro de Gerhard, custodiado en la Biblioteca de la Universidad de Cambridge desde 1994, los responsables del estudio antes mencionado hallaron las siguientes obras electrónicas de concierto del autor, más allá del ya conocido componente de cinta de su Symphony No. 3 'Collages' (incluida en el libro+7CD "Collage", Centre Robert Gerhard, 2011): la serie incompleta Audiomobiles I - V (1958-67); el ciclo también inacabado Sculptures I - V (1963); Lament for the death of a bullfighter (1959); Caligula (1960-61); Vox Humana (1966-67); y la partitura correspondiente a la creación para electrónica en vivo Claustrophilia - a page to John Cage (1966).

De todas ellas, el CD que nos ocupa presenta: 'Audiomobiles I - III' más un inicial y breve audiomobile titulado 'In the manner of Goya' al que Gerhard no asigna número en la serie; 'Caligula', compuesta para su difusión en la segunda edición del Festival ONCE (Ann Arbor, Michigan, 1962); y, finalmente, el trabajo para recitador y cinta 'Lament for the death of a bullfighter', basado en el poema "Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías" de Federico García Lorca. Un repertorio ciertamente pionero y audaz, manifestación de una personalidad musical inquieta, permeable a la adopción de la tecnología electrónica y dispuesta a poner en justo valor el efecto de lo actuado con ella: «Haber trabajado en el medio electrónico ha resultado en un número de cambios morfológicos transcendentales en la manera de organizar el sonido, y me parece que estos cambios están destinados a incidir también en métodos de composición propios del tradicional campo la música instrumental».

La edición cuenta además con un extenso libreto conteniendo varias fotografías y textos en inglés a propósito, por supuesto, del archivo sonoro de Gerhard y de su música electrónica.

"Electronic explorations from his studio + The BBC Radiophonic Workshop 1958-1967" CD: 1. Audiomobile 'In the manner of Goya' (1958-59); 2. Audiomobiles I 'Sculpture' (1959-67); 3. Audiomobiles II 'DNA in Reflection' (1963); 4. Audiomobiles III 'Sculpture' (c. 1960-67); 5. 'Caligula' (1960-61); 6. 'Lament for the death of a bullfighter' (1959).

Formato: CD; Duración total: 38:22

lunes, 3 de noviembre de 2014

Phill Niblock: "Brazil 84"

Phill Niblock
Brazil 84
(mode 273)

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El nuevo DVD que publica Mode Records nos presenta al creador estadounidense Phill Niblock (Anderson, Indiana, 1933) en su doble faceta de realizador cinematográfico y compositor.

"Brazil 84", así se titula el flamante registro, contiene la película resultante de un conjunto de filmaciones en 16 milímetros que el autor efectuó en 1984 recorriendo el litoral brasileño, desde las poblaciones de Salvador de Bahía a Natal. Como en tantos otros trabajos filmográficos de su serie "The Movement of People Working" (1973-1991), Niblock filmó también aquí a múltiples personas en el desempeño de su trabajo cotidiano. A lo largo de los 77 minutos de duración de la película se suceden, sin pausa, diversas secuencias mudas de imágenes coloristas mostrando a hombres y mujeres, trabajadores del mar, en actividades como las de la pesca de arrastre, la manutención de las redes, o la construcción y reparación de las embarcaciones de madera. Son creaciones visuales realistas, exentas de cualquier artificio y contrarias a una lógica narrativa. Su cualidad primordial reside en el despliegue de un incesante movimiento repetitivo capaz de hipnotizar al espectador.

A la película le acompaña, sin embargo, una banda sonora consistente en dos composiciones instrumentales del propio Niblock: 'Three Orchids' (2003), para tres orquestas (el DVD incluye dos realizaciones de esta misma obra: una interpretada por integrantes de la SEM Ensemble repartidos en tres grupos instrumentales, y otra ejecutada por el Trio Scordatura junto al músico Guy De Bièvre y acompañados ambos por un soporte multipista) y 'Tow by Tom' (2005), para dos orquestas (de nuevo el Trio Scordatora y la Nelly Boyd Ensemble).

Ya sea en su modalidad habitual y predominante -la electroacústica-, o en la que aquí se ofrece, esto es, la confiada casi en su totalidad a la interpretación en vivo por instrumentistas, su música produce siempre el mismo efecto. Niblock concibe densas tramas de sonidos largamente sostenidos para que ocupen el espacio de audición con firmeza enérgica. Sonidos acústicamente muy próximos entre sí, unidos en esa presencia abrumadora de propagación envolvente que el autor irá colmando de sutilezas armónicas y tímbricas. A este respecto conviene señalar el acierto que supone la inclusión en el DVD de hasta tres opciones de audio (Dolby Stereo, Dolby 5.1 Surround y DTS 24-bit 5.1 Surround), pues parece predisponer a una escucha especialmente cuidadosa de la banda sonora.

La edición contiene además un libreto de ocho páginas con textos acerca de la grabación, la música y la película.

"Brazil 84" DVD: 1. 'Brazil 84' ('Three Orchids'; 'Tow by Tom'; 'Three Orchids').

Formato: DVD; Duración total: 77:00

lunes, 20 de octubre de 2014

Jean-Léon Pallandre, Marc Pichelin y Laurent Sassi: "Vagabondage"

Jean-Léon Pallandre, Marc Pichelin y Laurent Sassi
Vagabondage
(PP1210)

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Jean-Léon Pallandre, Marc Pichelin y Laurent Sassi son artistas integrantes de la Compagnie Ouïe/Dire y autores de las grabaciones contenidas en esta tarjeta postal sonora publicada en 2012 en Editions Ouïe/Dire.

Como en tantos otros proyectos impulsados por la compañía francesa -precisamente en estos días de octubre cumple su vigésimo año de existencia-, "Vagabondage" incide en la consideración de una escucha sensible como recurso idóneo para analizar la relación del individuo con su entorno acústico. Una idea esta que, en efecto, informaría la actividad que los tres artistas sonoros juntos desarrollaron entre octubre de 2010 y diciembre de 2011. Esto es: explorar el Pays du Grand Bergeracois, captando momentos de su vida cotidiana. Perteneciente a la región francesa de Périgord, al Pays du Grand Bergeracois se le conoce principalmente por sus castillos, bastidas, jardines y viñedos. Un pacífico y hermoso paraje en el que predomina la actividad rural y que cuenta con no pocos alicientes culturales y turísticos.

Nuestros protagonistas, provistos de sofisticadas herramientas de registro de audio, deambularon por él atentos a cualquier evento que contribuyese a su conocimiento. En la andadura hallaron, cómo no, múltiples voces naturales características de ese ambiente bucólico -el disco incluye efectivamente secuencias correspondientes al canto de la oropéndola, a la lluvia que cae en un estanque, o al sonido emitido por grillos-, pero, sobre todo, encontráronse con vecinos que buenamente accedieron a ser entrevistados e, incluso, a ser acompañados en sus quehaceres diarios. Con ellos descubrieron las especificidades del lugar, escuchándoles cuidadosamente y compartiendo instantes de sus hábitos de vida. Así pues, no es de extrañar que además de las secuencias antes citadas, el registro contenga también otras como: el encuentro con un pastor y su rebaño de ovejas, el seguimiento a un panadero en su ronda de reparto diario, una celebración local del 14 de julio, o las visitas a un dominio vitícola, a una fábrica de agua, o a uno de los monumentales jardines del territorio.

Colaboraron en "Vagabondage": Dominique Massoubre, pastor de la ferme conservatoire de Leyssart; Paulette Bonneau, una hija del país; Fabienne, Christophe y Marc Priolot, de la panadería de Saint-Martin de Gurson; Céline Lafitte y Christophe Daugeron (jardín de la asociación Troll, en Saint-Martin de Gurson); Isabelle Carles y Franck Pascal, del dominio de Jonc-Blanc en Vélines; Sophie, Michel y Gabriel Robillard, del albergue de Bourriaud en Saint-Vivien; Serge Fourcaud, consejero general y alcalde de Bonneville y Saint-Avid de Fumadières; Christian Fournet, director de la fábrica Cristaline en Saint-Martin de Gurson; y, finalmente, el alcalde de Saint Martin de Gurson, Bernard Goyer, así como todo su equipo.

"Vagabondage" CD: 1. 'La fermentation'; 2. 'Semi-nomade'; 3. 'Une fille du pays'; 4. 'Le mitron'; 5. 'Le loirot'; 6. 'La tournée'; 7. 'Le jardin'; 8. 'Jonc Blanc'; 9. 'Pluie sur l'étang'; 10. 'Le Bourriaud'; 11. 'L'élu'; 12. 'L'usine'; 13. 'Le Maire'; 14. 'La cérémonie'; 15. 'La veillée'; 16. 'Le grillon'.

Formato: CD; Duración total: 65:00

lunes, 6 de octubre de 2014

Annea Lockwood: "Ground of Being"

Annea Lockwood
Ground of Being
(Recital Seven)

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Nacida en Nueva Zelanda, Annea Lockwood (1939- ) se trasladó a Inglaterra en 1961, donde estudió composición en el Royal College of Music de Londres. Asistió también a cursos de verano en Darmstadt y completó su formación en Colonia y Holanda, estudiando música electrónica con Gottfried Michael Koenig.

Durante la década de los sesenta exploró las sonoridades del vidrio en "The Glass Concert" (1966-72) y las de pianos deteriorados en "Piano Transplants" (1967-72). Además colaboró con el poeta sonoro Bob Cobbing y empezó su gran Archivo de Ríos (1966-70), trabajo que con el tiempo derivó en los mapas sonoros de tres grandes ríos: el Hudson (1982), el Danubio (2005) y el Housatonic (2010). Invitada por la compositora Ruth Anderson, en 1973 se traslada a Estados Unidos para ejercer como docente en el Hunter College (CUNY). El acceso al estudio de música electrónica de ese centro y la oportunidad de formar parte de la escena de la música experimental de ese país, significaron un gran estímulo para ella. Desde entonces se han sucedido numerosas producciones suyas. Entre otras: "World Rhythms" (1975), composición multicanal realizada con sonidos ambientales; "Thousand Year Dreaming" (1990), una suerte de ceremonia ancestral para múltiples instrumentos de viento y percusión; "Duende" (1998), una experiencia de transformación chamánica escrita para voz barítono y cinta; y la obra encargo de la pianista Jennifer Hymer "Ceci n'est pas un piano" (2002), para piano amplificado, video, electrónica y sonidos grabados.

Destacamos, asimismo, que Lockwood ha ejercido durante casi veinte años como profesora de música del Vassar College, en Nueva York, y que en 2007 recibió el Henry Cowell Award, galardón con el que se le reconoce su trabajo ejemplarizador de ese espíritu de innovación y experimentalismo que caracterizó al compositor americano Henry Cowell.

Dos años justos han transcurrido desde la aparición del CD "In Our Name" (New World Records, junio de 2012), grabación que reunía tres trabajos de la compositora producidos durante el segundo quinquenio de la pasada década, y la del que ahora nos ocupa: "Ground of Being" (Recital, junio de 2014). En este nuevo registro suyo se incluyen cuatro composiciones: 'Ear-Walking Woman', de 1996; 'Ground of Being', de 2000; 'Dusk', de 2012; y 'Buoyant', de 2013. De ellas, solo la primera fue expresamente escrita para un intérprete. Las otras tres son creaciones meramente electroacústicas.

En 'Ear-Walking Woman' -obra encargo de la pianista Lois Svard, quien además es aquí la intérprete- Lockwood concibe la exploración del interior de un piano en la que se utilizarán algunas de las conocidas preparaciones cageanas. La partitura dispone cuáles son las herramientas que la ejecutante debe emplear en las distintas secciones de la pieza -entre otros, se utilizan objetos como monedas, tornillos, pequeñas bolas de madera, baquetas o un vaso de cristal- y, además, solicita de aquella una esmerada atención a los resultados sónicos de cada una de sus acciones con el propósito de alentarla a seguir ahondando en la investigación del instrumento con ulteriores manipulaciones.

Los otros tres trabajos del disco son una buena muestra de la elegancia con la que la autora cultiva la composición con sonidos grabados. De hecho, una parte estimable de su repertorio lo integran creaciones de esta índole. Piezas que Lockwood acomete con mano genial. En ellas, su predilección por los sonidos ambientales resulta evidente. Estos provendrán, por lo general, de captaciones que ella misma ha realizado, aunque tampoco excluye la ocasión de proveerse de ellos recurriendo a archivos sonoros preexistentes. En la selección de los sonidos de los que finalmente se servirá, la autora dedicará su tiempo. Ya sea por razón de semejanza o contraste entre las cualidades acústicas de varios eventos dados, Lockwood analizará detenidamente su posible correspondencia hasta la consecución de aquella precisa y eficaz yuxtaposición. Además, fiel a su convicción de que esas fuentes sonoras grabadas poseen por ellas mismas suficiente complejidad y poder evocador, raramente deseará someterlas a acciones de transformación electrónica.

En el caso de 'Buoyant', los sonidos manejados tienen su origen en unas captaciones que la autora efectuó: en la orilla del lago Flathead (Montana), en la estación terminal del ferry de Hoboken (Nueva Jersey) y en un embarcadero en el lago italiano de Como.

'Dusk', por su parte, combina sonidos de baja frecuencia generados en conductos hidrotermales del fondo marino, con otros bien distintos emitidos por unos murciélagos, y, también, los de un tamtan tocado por el percusionista William Winant. Ninguno de estos sonidos fue grabado por Lockwood.

Por último, 'Ground of Being' cuenta fundamentalmente con una serie de registros obtenidos a lo largo de una estancia de la artista en Bellagio, localidad que bordea el ya citado lago de Como. Registros que contienen, entre otros, sonidos tan diversos como los producidos por la deshidratación de unos árboles; la voz de un joven senegalés relatando una historia trágica en el interior de una cripta en Villa Serbelloni; los ladridos de un perro; o, el ronroneo característico de los animales felinos. La pieza, encargo de las entidades americanas Electronic Music Foundation y Engine 27, fue inicialmente presentada como una instalación de ocho canales de audio.

"Ground of Being" CD: 1. 'Buoyant' (2013); 2. 'Dusk' (2012); 3. 'Ear-Walking Woman' (1996); 4. 'Ground of Being' (2000).

Formato: CD; Duración total: 49:29

jueves, 25 de septiembre de 2014

Paul Dolden: "Who Has the Biggest Sound?"

Paul Dolden
Who Has the Biggest Sound?
(ST-220)

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El pasado 29 de julio, el sello Starkland lanzaba al mercado el nuevo trabajo discográfico de Paul Dolden (Otawa, 1956). "Who Has the Biggest Sound?" es el quinto álbum en la trayectoria profesional del compositor y multi-instrumentista canadiense. Contiene dos creaciones electroacústicas con las que Dolden sigue fiel a la estética maximalista que ha caracterizado la mayor parte de su producción musical. Experto conocedor del potencial organizador de las tecnologías de grabación, nuestro protagonista elabora con extremada minuciosidad densos montajes sonoros que sugerirán ejecuciones musicales inverosímiles. Y es que el material primordial empleado por Dolden en la realización de sus trabajos lo constituyen fragmentos de interpretaciones musicales que a menudo toca él mismo con instrumentos convencionales y no electrónicos. De la selección, modelado y disposición en múltiples pistas de dichas fuentes, resultará una orquesta manifiestamente exagerada que el autor gobernará a su gusto.

La primera creación aquí incluida es la que da título al disco. 'Who Has the Biggest Sound?' fue compuesta durante tres largos años, entre noviembre de 2005 y diciembre de 2008, correspondiendo al encargo recibido de las entidades culturales Réseaux des arts médiatiques (Montreal) y Diapason Gallery (Nueva York). Consta de quince movimientos y su duración total alcanza los cincuenta y dos minutos.

¿Quién tiene el sonido mayor?, ¿quién tiene las melodías más agradables? o ¿quién puede tocar más rápido? son preguntas de un curioso interrogatorio que encontramos formulado en 'Who Has the Biggest Sound?'. Con él, Dolden parece reprobar esa actitud comúnmente admitida en nuestra cultura musical contemporánea de validar competitivamente el mérito creativo del músico y compositor, únicamente mediante la cuantificación del esfuerzo aplicado a la tarea. En la responsabilidad de contestar esas cuestiones el autor situará a quien al mismo tiempo cumple las funciones de narrador de la obra y empleado de un supuesto Centro para el Sonido Estratégico. Personaje que, con el transcurso de los minutos, acabará por desistir de su cometido al verse impedido por una serie de irrebatibles irrupciones de sonidos de la naturaleza, en especial las protagonizadas por manadas de traviesos animales.

Además del citado personaje, la pieza -cuya vocación radiofónica se antojaría más que plausible- congrega también a un coro de voces mixtas, a distintos sonidos de animales y a la gigantesca orquesta virtual, formada aquí por instrumentos de percusión, viento-metal y cuerda. Dolden compone para la ocasión -como en tantas otras- una música abundante e ingeniosa. Una música sin apenas pausa, de aceleración frecuente y alto rango dinámico, melodiosa y disonante, concitadora no solo de referencias a géneros populares como el rock, jazz, blues y country, sino también de fugaces pasajes para el lucimiento virtuosista.

Los casi veinte minutos restantes del registro los ocupan las seis secciones de 'The Un-Tempered Orchestra', obra compuesta en 2010 y realizada por encargo del festival alemán de música electrónica Sinus-Ton.

Haciendo gala nuevamente de gran técnica en ese proceder habitual suyo, Dolden explora aquí las posibilidades musicales de combinar en una sola composición particularidades de distintos sistemas de afinación. Mi intención artística es la de crear un nuevo espacio musical en el que prácticas musicales occidentales y no occidentales puedan coexistir. Quiero crear una gran familia moderna y multicultural, en la cual todos juntos puedan llevarse armoniosamente bajo un mismo techo no simétrico.

Para dar vida pues a su 'Orquesta no temperada' -titulada así en alusión a 'El clave bien temperado' de Bach- nuestro compositor empezó por escribir simples melodías diatónicas y progresiones de acordes. Posteriormente, grabó a intérpretes occidentales y orientales ejecutando esos fragmentos en sus sistemas de afinación originales. Y, finalmente, en su familiar dominio tecnológico, Dolden acabó reajustando y editando el material obtenido con el propósito de acomodarlo a ese nuevo espacio musical carente de simetría. Los seis ejemplos de la orquesta presentados en la pieza resultan ser verdaderas joyas del arte de la yuxtaposición. Recomendamos, en cualquier caso, que estas sean escuchadas repetidamente, pues tras su sonar mecedor, casi embriagante, conviene atender bien a aquellas que son sus principales virtudes: la sucesión de exuberantes alianzas tímbricas y un notable despliegue de efectos armónicos inusuales.

"Who Has the Biggest Sound?" CD: 'Who Has the Biggest Sound?' (2005-2008) 1. 'The Village Choir Asks the Important Questions of the Day'; 2. 'The Village Orchestra Poses the Main themes of this Musical Quest'; 3. 'The Village Wind Orchestra: The Answer is Blowing in the Winds'; 4. 'Who Has the Biggest Noise?'; 5. 'Who Can Play the Fastest'; 6. 'To Play or Not to Play'; 7. 'The Saddle Song'; 8. 'My Hound is Out of Harmony'; 9. 'Who Has the Dreamiest Melodies?'; 10. 'Who Has the Niciest Melodies?'; 11. 'Who Can Talk Faster: Crickets or Man?'; 12. 'The Village Orchestra: Tonic Tango'; 13. 'The Village Percussion Orchestra: Cha-Cha'; 14. 'The Village Wind Orchestra: more Blowing in the Wind'; 15. 'More Unanswered Questions'; 'The Un-Tempered Orchestra' (2010) 16. 'Orchestra 1'; 17. 'Orchestra 2'; 18. 'Orchestra 3'; 19. 'Orchestra 4'; 20. 'Orchestra 5'; 21. 'Orchestra 6'.

Formato: CD; Duración total: 70:53
 

viernes, 12 de septiembre de 2014

Alex Waterman: "A Ballad of Accounting"

Alex Waterman
A Ballad of Accounting
(D.S. al Coda #1)

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Violonchelista, compositor y escritor, Alex Waterman (Estados Unidos, 1975) es miembro fundador de Plus Minus Ensemble y uno de los integrantes también de Either/Or, ambas formaciones especializadas en la interpretación de música experimental y de vanguardia. Además de componer para distintas compañías de danza moderna, Waterman ha colaborado con importantes músicos y artistas como Robert Ashley, Keith Rowe, Helmut Lachenmann o Ned Rothenberg. Con el diseñador y escritor Will Holder ha confeccionado "Yes, But Is It Edible?" (New Documents, 2014), un libro de próxima aparición acerca del mentado y recientemente fallecido compositor Robert Ashley, de quien asimismo ha producido y dirigido la versión española de su destacada ópera para televisión "Perfect Lives". Y con Beatrice Gibson, Waterman comparte la autoría del cortometraje "A Necessary Music", galardonado con un Tiger Award del Festival de Cine de Róterdam en su edición de 2009. A todo ello añadiremos que nuestro protagonista es dueño junto a David Reinfurt y Stuart Bailey (Dexter Sinister) del sello discográfico D.S. al Coda. Sello cuyo inicio de actividades tuvo lugar en 2010 coincidiendo con el lanzamiento de la que fue su primera referencia: el DVD que aquí presentamos.

Se trata de "A Ballad of Accounting", un trabajo audiovisual producido por Waterman en colaboración con la realizadora cinematográfica Liz Wendelbo y el ingeniero de sonido Christopher Tabron. Fue compuesto en 2009 en homenaje al cantante, poeta y activista Ewan MacColl y, en particular, a su canción folk de mismo título, escrita en 1964 y popularizada más tarde al interpretarla a dúo junto a Peggy Seeger. Canción cuya letra se caracteriza por un marcado acento social y con la que un incitante MacColl dirigíase, al parecer, a aquellas personas que a diario debían recorrer un largo trayecto para acudir a su puesto de trabajo.

Waterman, familiarizado con una de las arterias más transitadas de la ciudad de Nueva York, la autopista Brooklyn-Queens, ideó su personal versión de "A Ballad of Accounting" como un encuentro ciertamente singular: el que protagonizarían la gigantesca carretera y su modesto violonchelo. Como músico, abordé la autopista, su espectro de ruido y resonancia, como una pura experiencia fenomenológica. A través del examen de los sonogramas y formas de onda obtenidos de mis grabaciones ambientales, pude empezar a determinar un modo de armonizar y filtrar dicha autopista con mi instrumento, declaraba Waterman. A tal propósito pues dedicó sus habilidades y esfuerzo, escoltado, eso sí, por la experta colaboración en materia acústica de su colega Christopher Tabron. La pieza resultante fijada en este DVD transita desde la resonancia plena tanto de la vía rodada como del violonchelo, hasta una suerte de calma fusión entre ambos agentes sónicos, pasando por diversos intentos de contrarrestar ese dominio ruidoso del tráfico captándolo principalmente desde el interior del propio instrumento.

Las sesiones de filmación y registro de audio, constitutivas del material con el que se acabaron editando los definitivos cuarenta minutos de duración de la obra, fueron realizadas a distintas horas del día durante tres jornadas completas del mes de junio de 2009. La filmación enteramente urbana de Wendelbo transcurre plácida a lo largo de sus doce secciones, tantas como localizaciones correspondientes al tramo escogido de la autopista fueron exploradas. Ese tramo seleccionado fue concretamente el recorrido elevado que se extiende entre los puentes Williamsburg y Kosciuszko.

"A Ballad of Accounting" DVD: 1. 'A Ballad of Accounting' (2009).


Formato: DVD; Duración total: 40:55

martes, 22 de julio de 2014

Nicolas Collins: "Devil's Music"

Nicolas Collins
Devil's Music
(EM1086DCD)

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El trabajo del compositor Nicolas Collins (Nueva York, 1954) es claramente deudor de las ideas musicales de experimentación electrónica divulgadas en Estados Unidos por John Cage y David Tudor a principios de los años sesenta del pasado siglo. Ideas que asimismo mantuvieron y desarrollaron pocos años más tarde los integrantes de la audaz agrupación también estadounidense Sonic Arts Union. Haber estudiado y colaborado con Alvin Lucier en la Wesleyan University (Middletown, Connecticut) fue para Collins una experiencia transformadora. Gracias a Lucier pudo conocer a John Cage, Christian Wolff, Robert Ashley y Gordon Mumma. También conoció a David Tudor, con quien colaboró en los ochenta en el colectivo Composers Inside Electronics.

En la biografía que nos ofrece en su sitio web, nicolascollins.com, declara que a lo largo de su trayectoria como compositor e intérprete ha habido fundamentalmente tres cuestiones que le hayan motivado especialmente: la belleza visceral del sonido en el espacio; la forma en la que la tecnología puede actuar como una interfaz entre las estructuras musicales y sociales; y, por último, un firme compromiso con un cuestionamiento experimentalista de las convenciones musicales. Además de componer, Collins ejerce de profesor en el Departamento de Sonido de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y es autor del libro "Handmade Electronic Music – The Art of Hardware Hacking" (Routledge, 2006 y 2009), un formidable manual acerca de la construcción de instrumentos electrónicos personales.

Desde su convicción de que la radio era el sintetizador más barato y poderoso del mundo, Collins produjo en 1985 su creación interpretativa mas conocida: "Devil's Music". Obra que, tal como el autor refiere, surgió de la confluencia de diversos factores: su devoción tanto por el aparato como por el medio radiofónico; su interés también por la aparición de los primeros djs de Hip Hop; la introducción en el mercado de los samplers portátiles (Electro-Harmonix 16 Second Digital Delay y Super Replay); y su inclinación hacia el diseño y construcción de circuitos electrónicos propios.

En una interpretación en vivo de "Devil's Music" el ejecutante actúa directamente en el dial de su receptor buscando el material sonoro que le convenga. Una vez seleccionado este, es captado en fragmentos minúsculos que, a su vez, resultan convertidos en bucles. Estos se integrarán en una textura musical cuyo discurrir en el tiempo quedará sujeto a la intervención de un circuito electrónico agregado al sistema. El circuito cumple aquí la función de detectar los diversos acentos rítmicos presentes en el flujo radiofónico en curso –señal acústica que normalmente no oiremos- para reaccionar ante ellos modificando la apariencia original de los bucles –que sí oímos- y frustrar así su periodicidad tan característica. Además, el ejecutante puede actuar a discreción sobre la velocidad de los bucles, acelerándolos o lentificándolos. Todos los sonidos que componen la obra serán obtenidos en vivo de transmisiones radiofónicas de onda corta, AM, FM y bandas de frecuencia correspondientes a la intercomunicación entre distintos servicios urbanos. Ninguna muestra se prepara anticipadamente. Música, palabra e interferencia radiofónica podrán pues concurrir en una interpretación cuyo logro dependerá, en cierta medida, de la variedad y naturaleza de las emisoras existentes en el emplazamiento en cuestión.

El estreno de "Devil's Music" tuvo lugar en la sala Anti Club de la ciudad de Los Ángeles en 1985. Durante los siguientes tres años, Collins presentó la pieza unas cien veces entre actuaciones en Estados Unidos y Europa. Además, preparó una versión en estudio de la pieza para ser publicada en 1986 en un LP aparecido en el sello Trace Elements Records. Veintiocho años después, en noviembre de 2009, la firma editorial japonesa EM Records presentó la reedición del mentado vinilo. Y lo hizo en este doble CD que nos ocupa y que incluye asimismo otra realización de la pieza, titulada 'Real Landscape A + B', y la composición para cinta 'The Spark Heard 'Round the World', surgida en 1988 por encargo de New Radio and Performing Arts. Composición esta última que secuencia fragmentos de conversaciones telefónicas con otras producidas entre radios de barco a costa, así como comunicaciones de taxistas, policías, bomberos e interferencias originadas entre emisoras de onda corta. Completan el programa del doble CD: un videoclip perteneciente a una interpretación de "Devil's Music" ofrecida por Collins en diciembre de 1987 en Southern Danceworks, Birmingham, Alabama (U.S.A.), y un archivo con el software (para PC y Mac) que el compositor escribió en 2002 y revisó en 2009 y cuya utilización, acompañada naturalmente de un receptor de radio y unos auriculares, debería permitir llevar a cabo nuestra propia realización de esta música diabólica.

"Devil's Music"

CD 1: 1. 'Devil's Music A' (1985); 2. 'Devil's Music B' (1985); 3. 'The Spark Heard 'Round The World' (1988).

CD 2: 1. 'Real Landscape A' (1987); 2. 'Real Landscape B' (1987); Contenido adicional –software y videoclip-.


Formato: 2CD; Duración total: 113:04

lunes, 30 de junio de 2014

Peter Hansen: "World News"

Peter Hansen
World News
(er_cd_029)

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En Donsö, una pequeña isla perteneciente al archipiélago de Gotemburgo, vive desde 1992 el compositor sueco Peter Hansen (1958- ). Hasta esa fecha, había residido en Örebro -su localidad natal-, en Falster (Dinamarca) y, sobre todo, en la propia Gotemburgo, ciudad de cuyo Conservatorio de Música fue alumno y profesor. También en esta ciudad, en la Iglesia Anglicana St. Andrews, ejerció como organista durante más de dos décadas. Compositor principalmente de música instrumental de cámara, Hansen cuenta asimismo con un repertorio que comprende, entre otros, trabajos de experimentación electrónica, otros de estilo pop y, además, un extenso conjunto de pequeñas piezas solistas para instrumentos de teclado.

Su álbum que ahora presentamos, "World News", fue coproducido en 2009 entre el sello Everest Records y la pianista suiza Hildegard Kleeb, también intérprete de todas las piezas que incluye el mismo. En el interior del digipak, ella misma agradece al crítico Bjorn Nilsson por haberle descubierto el universo musical de Peter Hansen. Un universo que, a pesar de circunscribirse aquí únicamente a la producción pianística, resulta ciertamente estimulante.

Según cuenta el citado Nilsson, en una vieja guía mundial de la radio y la televisión, el compositor sueco encontraría la inspiración para iniciar en 1991 su serie de piezas "World News". La guía no solo contenía información detallada acerca de los distintos agentes activos en la radiodifusión global, sino también la reproducción gráfica de las sintonías de apertura correspondientes a todas y cada una de las emisoras que figuraban en ella. Precisamente estas representaciones motivaron a Hansen a escribir sus propias sintonías para estaciones radiofónicas imaginarias. Escribió muchas y todas para instrumentos de teclado.

En el CD, estas breves y sencillas composiciones aparecen sosegadamente, intercalándose entre otras tantas piezas al piano del autor. Unas y otras coinciden esencialmente en la proposición de una música de tinte básicamente tonal, en la que emplear el mínimo de materia sonora posible y cuyo temperamento sea claramente repetitivo. La simple ejecución reiterada de varios acordes o de una minúscula frase musical resultan aquí suficientes para la creación de atmósferas acústicas que podrían fácilmente no tener fin. Algo semejante a lo que acaso pudiera representar el acompañamiento ambiental o ameublement satiniano. No en vano, se sugiere en las notas del disco que este se escuche a un volumen particularmente bajo. Y quizá tampoco sea casual que la pieza más extensa del programa curiosamente lleve por título 'Vexation for a Burger' y que su duración exacta sea de 8 minutos y 40 segundos.

"World News" CD: 1. 'World News 88'; 2. 'Summerair Sketch'; 3. 'World News 88'; 4. 'World News 211'; 5. 'Autogrill Bologna'; 6. 'Vexation for a Burger'; 7. 'World News 67'; 8. 'Summerair Sketch'; 9. 'World News 1'; 10. 'Corciano Notte'; 11. 'World News 1'; 12. 'Sunset Song'; 13. 'World News 111'; 14. 'Objet trouvé'; 15. 'World News XXV - month of maying'; 16. 'Sylvestersang'; 17. 'World News 111'; 18. 'Fifth Trajectory -upon one note- for crotales'; 19. 'Impromtu'; 20. 'World News 111'; 21. 'World News XXX (Sphinxes)'; 22. 'Adele's Song'; 23. 'World News + World News 20'; 24. 'Avebury'; 25. 'World News XXIII'.


Formato: CD; Duración total: 67:31

miércoles, 4 de junio de 2014

Brandon LaBelle: "The Sonic Body: Figures 1 - 12"

Brandon LaBelle
The Sonic Body: Figures 1 - 12
(Errant Bodies Records #06)

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En enero de 2009 y por encargo de la Deutschland Radio, Brandon LaBelle (1969- ) presentó The music will not be broadcast en el club berlinés Maria am Ostbahnof, un evento performativo con el cual constituyó ocasionalmente una discoteca silenciosa. Fue ese el embrión inspirador de "The Sonic Body", un proyecto que el artista y escritor estadounidense desarrolló a lo largo de todo ese año y también durante 2010, y del que resultaron la realización de dos instalaciones –una en Roma y la otra en Bretigny-, un taller artístico en Berlín y una exposición en Los Angeles.

Con "The Sonic Body", LaBelle recurrió a una de sus fascinaciones -el baile en todas sus posibles facetas- con el propósito de poder explorar el cuerpo danzante como un campo auditivo repleto de sugestión. El devenir sónico de ese cuerpo en movimiento y su capacidad para transformar no solo la propia composición gestual, sino también el espacio que habita. En un primer momento, su investigación pasó por solicitar de diversos individuos, conocidos y extraños, que bailaran al son de una canción que cada uno de ellos elegía libremente. Los participantes bailaron individualmente, siempre en espacios cerrados, mientras oían la música a través de auriculares y accedían, además, a que el audio que generaron con la ejecución de sus respectivos movimientos resultara registrado.

Posteriormente, extendió su propuesta a varias situaciones de grupo. Aquí, sin embargo, en lugar de música, las personas integrantes de cada grupo, fueran o no bailarines, debían escuchar únicamente sus propias acciones. El sonido de estas era captado por una serie de micrófonos repartidos por el espacio cerrado en el que actuaban y devuelto amplificado a los participantes que podían oírlo a través de auriculares inalámbricos. Ya, por último, el autor abandonó la idea de utilizar micrófonos y auriculares y solicitó de cada grupo participante que simplemente imaginaran todos y cada uno de sus movimientos como acciones generadoras de sonido.

De todas las grabaciones obtenidas en la realización del trabajo, el registro aquí presentado incluye una selección. Un total de doce figuras o identidades acústicas reunidas en un CD (Errant Bodies Records, 2011) acompañado de un libreto de dieciséis paginas con abundante información escrita.

Participantes en "The Sonic Body": James Webb, Trine Hylander Friis, Annette Stahmer, Pedro Gómez Egaña, Bruno Lechowski, Martina Schaaf, Signe Lidén, Priyanka Basu, Steve Rowell, Tao G. Vrhovec Sambolec, Nicole Clarke, Eliza Pfister, Shayna Keller, Gerald Michel, Angelina Attwell, Hildur Gudnadottir, Natalie Hofmann, Anna Posch, Isis Martin, Simone van Dijken y Baron Samedi.

"The Sonic Body: Figures 1 - 12" CD:

Figura 1: Movimiento de un participante en una habitación concreta. Escuchando 'Diddle Li Di' de Suzi Hyldgaard. Grabado en una tarde de primavera con un único micrófono sostenido cerca del participante.
Figura 2: El mismo participante moviéndose en el mismo sitio y escuchando la misma música. Sin embargo, el espacio ahora cuenta con la adición de una alfombra situada sobre el suelo.
Figura 3: Movimiento de un participante en una pequeña habitación. Escuchando 'Transmission' de Joy Division. Grabado por la noche.
Figura 4: Movimiento de un participante en una casa silenciosa. Escuchando 'I Get Around' del grupo Beach Boys. Grabado durante una tarde de invierno con un micrófono situado en el suelo.
Figura 5: Movimiento de un participante en un espacio vacío pequeñísimo. Escuchando 'Circular' de Hildur Gudnadottir. Grabado por la tarde.
Figura 6: Movimiento de un participante en un espacio concreto en el que destacan unos grandes ventanales con vistas a un puerto. Escuchando 'El Gran Varón' de Willie Colón. Grabado en un día corriente.
Figura 7: Movimiento de un participante que lleva puestas múltiples prendas de vestir. Escuchando 'Mani' de Paco Fernández. Grabado por la noche en el vestíbulo oscuro de un apartamento.
Figura 8: Movimiento de un participante en un estudio iluminado. Escuchando 'Young Man' de Epaksa. Grabado de forma privada por el propio participante.
Figura 9: Movimiento de un participante en una habitación estrecha. Escuchando 'Ray of Light' de Madonna. Grabado durante una mañana lluviosa.
Figura 10: Movimiento de un grupo de cinco participantes en un estudio de sonido. Escuchando 'Can’t Get Enough of Your Love' de Barry White. Grabado por la tarde utilizando múltiples micrófonos.
Figura 11: Acción de grupo (intervienen cuatro participantes) grabada en un amplio espacio teatral. Escuchando a través de auriculares inalámbricos el conjunto de sonidos amplificados que captan varios micrófonos repartidos en dicho espacio. Grabado en total oscuridad.
Figura 12: Acción de grupo (intervienen cuatro participantes) grabada en un espacio para la danza. Escuchando la energía acústica de sus propios movimientos. Grabado a plena luz.


Fromato: CD; Duración total: 51:43

jueves, 22 de mayo de 2014

Carmen Pardo: "La escucha oblicua. Una invitación a John Cage"

Carmen Pardo
La escucha oblicua. Una invitación a John Cage
(ISBN: 978-84-15601-66-1)

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Sexto Piso, una editorial mexicana independiente con filial en Madrid, ha publicado recientemente una reedición revisada y aumentada del texto de la autora Carmen Pardo: "La escucha oblicua. Una invitación a John Cage". (Colección: Ensayo Sexto Piso; Encuadernación: Rústica con solapas; 200 páginas).

Leemos en la contracubierta del libro: En "La escucha oblicua. Una invitación a John Cage", la filósofa y escritora Carmen Pardo aborda de manera magistral la obra de ese enigma viviente que fue John Cage. Sin embargo, no se trata de una mera biografía musical, sino de un lucido esfuerzo por situar a Cage como uno de los grandes genios de la música contemporánea, alguien que revolucionó la manera de concebir y escuchar música, y que no dudó en prestarse a experimentos como meterse en una cámara aislada en la Universidad de Harvard para demostrar que ni en las condiciones más extremas existe el silencio total, pues la vida implica necesariamente el ruido. Cage quería desautomatizar nuestra percepción reduccionista y narrativa de la composición, y liberar así al sonido de todas sus representaciones, de todos los acuerdos con un sentido previo. Sabía que había que dejar de pensar para, al fin, poder escuchar.

"La escucha oblicua. Una invitación a John Cage" trasciende con creces el ámbito estrictamente musical, pues rastrea las relaciones de Cage con otros artistas (como el coreógrafo Merce Cunningham o el director de teatro Robert Wilson) y otras disciplinas (desde su inclinación por el budismo zen como alumno de D. T. Suzuki hasta sus aproximaciones al "Finnegans Wake" joyceano) y el modo en que estos intereses y conexiones confluyeron para formar parte de su filosofía y obra musical. La autora se centra sobre todo en explorar los límites de un canon que Cage quiso expandir con la intención de abarcar como música toda una gama de sonidos, incluido el silencio. Nuevos paisajes sonoros que antes de John Cage hubiera sido un sacrilegio considerar como parte del arte musical.

El volumen cuenta además con la reproducción de dos prefacios -uno de Gloria Moure a la primera edición y el que Daniel Charles escribió para la edición francesa- así como con una extensa bibliografía.

Carmen Pardo es doctora en Filosofía por la Universidad de Barcelona y ha sido investigadora residente postdoctoral en la unidad IRCAM-CNRS de París. Ha impartido numerosos cursos y seminarios en diversas universidades nacionales e internacionales. Se hizo cargo de la traducción y edición de los escritos de John Cage y es autora de varios libros sobre este compositor. En la actualidad investiga permanentemente sobre arte contemporáneo y las tecnologías, y es toda una autoridad en lo referente a la obra y la reflexión de John Cage. También ha publicado diversos textos sobre Stockhausen, Ligeti, Xenakis y a propósito de la relación entre música y filosofía en Platón, Descartes, Nietzsche o Deleuze. Su trabajo sigue la línea continua de la interrogación sobre la posibilidad de una reflexión estética que extraiga sus instrumentos del ámbito sonoro.


lunes, 12 de mayo de 2014

Michel Chion: "La Messe de Terre"

Michel Chion
La Messe de Terre
(M614001)

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Compositor, escritor, realizador de cine y video, profesor e investigador, Michel Chion nace en Creil (Francia) en 1947. Tras cursar estudios literarios y musicales, trabajó en la Oficina de Radiodifusión-Televisión Francesa (ORTF), colaboró con Pierre Schaeffer en el Conservatorio Nacional de Música de París y ejerció como productor de las emisiones del Groupe de Recherches Musicales (GRM). También fue responsable de las publicaciones del INA-GRM, institución a la que perteneció desde 1971 a 1976. Fue allí donde conoció a Robert Cahen, compositor y video-artista con el que colaboró asiduamente. Chion es autor de numerosos trabajos de música concreta y melodramas electroacústicos. Entre ellos destacan: "Le prisionner du son" (1972), "Requiem" (1973), "La tentation de Saint-Antoine" (1984), "Tu" (1977-85), "Gloria" (1994) o "L'Isle Sonante" (1998-2010).

Como teórico trabaja en el estudio sistemático de las relaciones audiovisuales, materia de la que imparte clases en varios centros universitarios y escuelas de cine. Además de contar con una veintena larga de publicaciones a propósito de la música y el cine, Chion ha escrito multitud de artículos en la prensa francesa e internacional así como ensayos acerca de compositores y realizadores como Pierre Henry, François Bayle, Charlie Chaplin, Jacques Tati, David Lynch y Stanley Kubrick.

Su composición "Requiem" obtuvo, en 1978, el Grand Prix du Disque de l'Académie du Disque Français y su creación audiovisual "La Messe de Terre" (1996) fue galardonada asimismo con el Grand Prix de la ciudad de Locarno. Precisamente, este último trabajo ha sido objeto recientemente de esta edición en DVD (Motus - Colección Motus pour voir, 2014) coproducida entre Sono-Concept (Michel Chion, Anne-Marie Marsaguet) y Périphérie Production (Claudine Bories, Jean-Patrick Lebel).

"La Messe de Terre" consiste en una liturgia audio-logo-visual de dos horas y media de duración, estructurada en dos partes, catorce movimientos y un entreacto. Su autor nos la describe en los siguientes términos: Fresco figurativo pero no narrativo, La Messe de Terre superpone sin mezclarlos el mundo cotidiano, nuestro "aquí abajo", el de una tierra surcada o plagada por el agua, y el texto latino de la misa católica. Este texto, cantado o voceado, se hace comprensible mediante subtítulos en francés (fijos) y en inglés (opcionales). La obra en su conjunto despliega un ritual en el que se ha excluido toda la iconografía religiosa; si aparecen objetos-símbolos, estos son abstractos (un cubo dibujado) o triviales (objetos colgando de un tendedero).

Dos fragmentos tomados de Goethe y Schubert, en la segunda parte, abren un paréntesis cósmico y panteísta que seguidamente se cerrará.

El héroe colectivo de esta misa es la humanidad no-heroica que es vista en procesión, recorriendo las calles, bebiendo en una terraza o disfrutando de una fiesta, y cuyo canto y plañido oímos.

Para emprender mejor este largo viaje, comenzado en los baches y las interrupciones, y que gradualmente va dejando paso a corrientes prolongadas, se sugiere visionar el contenido extra del DVD (La Messe de Terre illustrée) donde se cuenta la forma general de la obra.

Michel Chion: Imágenes, sonidos, música, montaje y realización de "La Messe de Terre". La obra incluye además músicas adicionales de Olivier Messiaen, François Donato y Franz Schubert. Intervienen como intérpretes: Cécile Sacco, Michel Chion, Lanie Goodman y Anne-Marie Marsaguet.

"La Messe de Terre" DVD: I. 'Entrée'; II. 'Une vie'; III. 'Quatorze Stations'; IV. 'Kyrie'; V. 'Vitrail'; VI. 'Gloria'; VII. '...' (Entr'acte) VIII. 'Credo'; IX. 'Chant de nuit'; X. 'Genèse'; XI. 'Offertoire'; XII. 'Sanctus Benedictus'; XIII. 'Agnus Dei'; XIV. 'Communion'; La Messe de Terre illustrée (Contenido extra en francés y sin subtítulos. Realización y montaje: Jérôme Bloch).


Formato: DVD: Duración total: 174:00

lunes, 5 de mayo de 2014

Jocelyn Robert: "Folie/Culture"

Jocelyn Robert
Folie/Culture
(ReR JORCD)

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Artista multidisciplinar, Jocelyn Robert (Québec, 1959) es autor de un amplio catálogo de creaciones sonoras y trabajos instalativos. En 1993 fundó la asociación Avatar, un colectivo de creadores especializado en la investigación, producción y difusión de obras de arte electrónico. A lo largo de su trayectoria ha disfrutado de diversas residencias artísticas y sus producciones han sido presentadas en Canadá, Estados Unidos, México, Chile, Australia y también en Europa. Cuenta con una quincena de grabaciones en solitario y otras tantas realizadas en colaboración con otros artistas. Sus escritos a propósito de aspectos de la actividad artística han aparecido en catálogos y numerosas publicaciones internacionales. En 2007 recibió del Consejo de las Artes y las Letras de Québec el Premio a la Creación como parte del Premio del Consejo de la Cultura de Québec. En la actualidad, ejerce como docente en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad quebequesa Laval.

"Folie/Culture", título del CD que aquí presentamos, es principalmente el nombre de una organización canadiense sin ánimo de lucro dedicada a la difusión de producciones culturales que permitan explorar la relación existente entre dinámica emocional y creación. Desde su fundación, en 1984, Folie/Culture ha impulsado numerosos eventos multidisciplinares con voluntad de propiciar el debate y la reflexión crítica a propósito de la marginalización que acarrean la locura y ciertas ansiedades sociales. Tras la celebración del que fue el tercer evento público promovido por la institución, Robert quiso manifestar su apoyo a la causa componiendo entre 1989 y 1991 un singular trabajo sonoro. Composición que acabó fijada en este registro publicado por el sello ReR Megacorp.

Producida a modo de sugestivo collage de sonidos y silencios para banda magnética, la obra condensa en el siguiente ruego, contenido en las notas del disco, su principal virtud: No suba el volumen (de su amplificador). Ajústelo de tal manera que la música y los sonidos del ambiente lleguen a confundirse. El artista plantea así una experiencia de escucha distinta y, sobre todo, incita al auditor a considerar de interés todo aquello que suene a su alrededor.

Para cada una de las cuatro partes que componen "Folie/Culture", Robert eligió unos cuantos sonidos y los dispuso, diligentemente, en alternancia con varias interrupciones silenciosas de duración diversa. Al margen del particular sonar ambiental que pueda reinar en el emplazamiento en el que el trabajo acabe escuchándose, el discurrir de las series de sonidos intencionales que el autor provee es esencialmente calmo. Mas allá de que puedan resultar o no familiares, fugaces, continuados, aislados, yuxtapuestos, o más o menos simbólicos, todos ellos -el goteo de un líquido, pequeñas explosiones, campanas, voces, una cajita de música, un respirador, alarmas electrónicas, escalas descendentes tocadas al piano, soplos en una armónica, etc...- constituyen eventos acústicos plenamente válidos a la luz de una proposición integradora que no repara en jerarquías.

Finalizada la cuarta sección de "Folie/Culture", observamos sin embargo que el disco prosigue. Un intervalo silencioso de tres minutos nos lleva al comienzo de un fragmento que Robert decidió agregar a la obra denominándolo como pieza opcional. Consiste en un montaje fijado en cinta de una simple melodía a la guitarra acústica, redoblada y reproducida en múltiples variaciones. Su intencionada musicalidad parece pretender devolvernos repentinamente a nuestra condición inicial, aquella en la que tuvimos que aprender que la música era música y el ruido solo ruido. Nos quedará, eso sí, la opción de ignorar esta última agregación en el disco.

"Folie/Culture" CD: 1. Parte 1; 2. Parte 2; 3. Parte 3; 4. Parte 4; 5. Pieza opcional.


Formato: CD; Duración total: 66:18

jueves, 24 de abril de 2014

José Luis Castillejo: "La Escritura no Escrita"

José Luis Castillejo
La Escritura no Escrita
(ISBN: 84-922224-0-9)

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"La Escritura no Escrita" constituye una obra significativa en la producción discursiva de José Luis Castillejo. Fue publicada en 1996 por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca dentro de su colección Taller de Ediciones. (Encuadernación: Rústica con solapas; 192 páginas).

En una nota preliminar incluida al inicio del libro, el autor escribió: El conjunto de "La Escritura no Escrita" fue escrito en 1976. Este texto se publica ahora corregido y con un Epílogo. El propósito del libro fue dar un fundamento teórico a otra obra que, por su elevado coste de realización, no ha sido publicada y denominada "Un Libro de un Libro". Sólo algunas páginas fueron impresas y distribuidas a título de ensayo. Actualmente, creo de mayor interés, aparte de los condicionantes económicos, publicar "La Escritura no Escrita" y no "Un Libro de un Libro". Dada la poca capacidad de nuestra época para el simbolismo, este último sería mal interpretado e incluso confundido con un objeto minimalista o fetiche. Su intención reflexiva se perdería entre tanto ruido. (Madrid, octubre de 1996).

Y las primeras palabras del texto en torno a una escritura que libere de la marca, a una escritura de los arquetipos fueron: "Hace años me interesó más lo escrito de la escritura; ahora, en cambio, me preocupa más lo no escrito. No se puede separar el mundo de lo escrito y el mundo de lo no escrito. Es decir, no se puede separar escritura y mundo. Ya es hora de que no se diga soy escritor, es escritor, no soy escritor, no es escritor. Ser o no ser, esa no es la cuestión".

Escritor y diplomático de carrera, además de coleccionista de arte, José Luis Castillejo (Sevilla, 1930) fue miembro del grupo Zaj. Entre sus libros más conocidos figuran: "La caída del avión en terreno baldío" (1967), "The book of i's" (1969) o "Tlalaatala" (2001). Su publicación más reciente ha sido "Ensayos sobre arte y escritura" (Ediciones La Bahía, 2013).


martes, 15 de abril de 2014

Marc y Olivier Namblard: "Brames (et autres mouvements d'automne)"

Marc y Olivier Namblard
Brames (et autres mouvements d'automne)
(PP1211)

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La Compagnie Ouïe/Dire, fundada en 1994 por Jean-Léon Pallandre y Marc Pichelin, impulsa y desarrolla proyectos artísticos que atienden principalmente a la relación del individuo con su entorno acústico. Conciertos, proyecciones sonoras, instalaciones y eventos educativos, forman parte de una actividad creativa centrada sobre todo en la escucha y mediante la cual se toman en consideración también aspectos diversos de índole social, cultural y pedagógica. Ouïe/Dire es, además, la denominación de la firma editorial donde se publican las obras que resultan de algunos de esos proyectos.

Este es el caso, por ejemplo, del CD que nos ocupa: "Brames (et autres mouvements d'automne)" (2012). Sus autores son Marc (1973- ) y Olivier (1969- ) Namblard, hermanos y audionaturalistas. De su padre aprendieron el hábito de registrar los sonidos propios de escenas de la vida cotidiana. De él, así como de la madre, aprenderían asimismo a apreciar la belleza del paisaje de las Cevenas francesas y la de otras extensiones naturales que recorrían en familia. Juntos colaboran desde hace años en la realización de trabajos con sonidos ambientales. Sus exploraciones aparecen documentadas en la página web: promeneursecoutant.fr

Las cinco secuencias que componen el registro "Brames" corresponden a varias de las expediciones efectuadas por Marc y Olivier a los bosques de los departamentos franceses de Vosges y Loiret. Allí acudieron con voluntad de obtener captaciones sonoras del ambiente que precede al apareamiento efectivo de los ciervos. Del comportamiento mostrado por los animales en aquellos primeros días de otoño, destaca especialmente la berrea o bramido que profiere el macho. En señal de excitación o incluso de desafío frente a otros ejemplares de su mismo género, el ciervo proclama así su virilidad dominante. Unos bramidos que, propagados en la quietud del bosque, alcanzan a veces una presencia sobrecogedora. Y los hermanos Namblard, conocederes de las dificultades que podía entrañar su misión, exhiben, sin embargo, una solvencia extraordinaria.

Sus grabaciones son impecables. Gracias en parte a la técnica de depositar, durante largos espacios de tiempo, los dispositivos de registro en un particular emplazamiento del entorno natural a documentar -lo que se conoce como piège à sons- las captaciones resultantes permiten descubrir eventos sonoros sorprendentes, algunos de ellos inéditos al oído humano. Constituyen, en definitiva, escenas de una intimidad sin concesiones que sitúan al oyente ante una propuesta auditiva única, a medio camino entre el documento naturalista y la creación sonora.

Encerrado en una envoltura plástica a modo de sobre (tamaño A5), el CD viene acompañado de diez postales que reproducen fotografías tomadas por David Hackel y el mismo Marc Namblard durante la realización del trabajo. El reverso de siete de las postales incluye notas y créditos escritos en francés e inglés.

"Brames (et autres mouvements d'automne)" CD: 1. 'Dans les faignes'; 2. 'Crépuscule électrique'; 3. 'Forêt sonnante'; 4. 'Le centre de la nuit'; 5. 'Éclats de fatigue'.


Formato: CD: Duración total: 60:23

miércoles, 2 de abril de 2014

John Cage: "Early Electronic and Tape Music"

John Cage
Early Electronic and Tape Music
(SR361)

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Felix Carey, Iain Chambers y Philip Tagney trabajan como productores musicales en Radio 3, emisora perteneciente a la British Broadcasting Corporation (BBC). Robert Worby, por su parte, compositor, artista sonoro y escritor, ejerce como presentador en esa misma emisora. Los cuatro integran desde 2003 el Langham Research Centre (LRC), una agrupación interpretativa londinense dedicada tanto a la ejecución de composiciones clásicas de la música electrónica del siglo XX -obras de autores como John Cage, Alvin Lucier o Earle Brown figuran habitualmente en el repertorio que el grupo maneja- como a la realización de nuevas creaciones musicales, empleando siempre como instrumentación viejos aparatos analógicos.

Su inclinación hacia la tecnología analógica se remonta una década atrás, coincidiendo con los que fueron los últimos días de utilización de la cinta de bobina abierta en la emisión de contenidos radiofónicos de la BBC. Las posibilidades expresivas y sonoridad vacilante de ese soporte magnético fascinaron por igual a los cuatro miembros del LRC. Además, han reconocido también su admiración por el trabajo de investigación sonora que a lo largo de los años efectuaron músicos y compositores como John Baker, Daphne Oram o Delia Derbyshire en el hoy extinto BBC Radiophonic Workshop. Recobrar de alguna manera ese espíritu experimental de antaño es lo que Carey, Chambers, Tagney y Worby pretenden con su música y sus actuaciones.

En su debut discográfico, "Early Electronic and Tape Music" (Sub Rosa, 2014), LRC ofrece realizaciones grabadas en 2013 de algunas de las piezas electroacústicas que John Cage (1912-1992) produjo entre 1952 y 1962. Años de importantes logros creativos en la carrera del autor estadounidense cuyos principales intereses pasaban, en aquel entonces, por el azar y las operaciones aleatorias, la indeterminación, el desarrollo de una actividad experimental enfática y, como no, por la adopción de la tecnología electrónica.

Constituye un aliciente de este registro la inclusión, por primera vez, de una grabación correspondiente a la partitura gráfica fechada en 1960 'WBAI: material for making a mechanical program'. Igualmente, el CD contiene realizaciones también de otras dos obras poco difundidas: '0'00''' de 1962 y 'Variations I' de 1960.

Felix Carey: tocadiscos, cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, cinta de bobina abierta. Iain Chambers: cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, cinta de casete, cinta de bobina abierta, radio. Philip Tagney: sintetizador, cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, palabra hablada. Robert Worby: oscilador de onda cuadrada, cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, radio. Catherine Carter: mezzosoprano en 'Fontana Mix with Aria'.

"Early Electronic and Tape Music" CD: 1. 'Fontana Mix with Aria' (1958); 2. 'Imaginary Landscape nº 5' (1952); 3. 'WBAI' (1960); 4. 'Cartridge Music' (1960); 5. '0'00''' (1962); 6. 'Variations I' (1960).


Formato: CD; Duración total: 46:21