Mostrando entradas con la etiqueta Mode Records. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Mode Records. Mostrar todas las entradas

miércoles, 16 de noviembre de 2022

Helmut Lachenmann: "Complete String Quartets"


Helmut Lachenmann
Complete String Quartets

(mode 267)


13,50 EUR más gastos de envío - Pídelo


La integral de cuartetos de cuerda de Helmut Lachenmann (1935) ha sido objeto de cuatro referencias discográficas desde que el compositor completase la última partitura para esta combinación instrumental en 2001. Una de esas cuatro referencias apareció en 2014 de la mano del sello Mode Records. "Complete String Quartets" surge de la estrecha colaboración entre los jóvenes integrantes del conjunto estadounidense The JACK Quartet y el veterano creador alemán, conocido por su fascinante lenguaje musical. Juntos, los cinco protagonistas exploraron con detenimiento los pormenores de las tres exigentes partituras –'Gran Torso' [Musik für Streichquartett], 'Reigen seliger Geister' [II. Streichquartett] y 'Grido' [III. Streichquartett]– con el fin de lograr la lectura idónea de las mismas. Pocas semanas antes del lanzamiento del disco, el cuarteto presentó las tres obras en un concierto celebrado en la biblioteca Morgan de Nueva York.   

 

'Gran Torso' y 'Grido' fueron grabadas respectivamente en noviembre de 2008 y octubre de 2007 en Colonia, en distintas salas de la Westdeutscher Rundfunk (WDR). La grabación de 'Reigen seliger Geister', por su parte, tuvo lugar en enero de 2011 en la casa natal de Beethoven de la ciudad alemana de Bonn.

 

The JACK Quartet: Christopher Otto, violín; Ari Streisfeld, violín; John Pickford Richards, viola; y Kevin McFarland, violonchelo.

 

El libreto que acompaña al CD cuenta con notas del autor y crítico musical británico, experto en la música de Lachemann, Paul Griffiths.

 

"Complete String Quartets" CD: 1. 'Gran Torso' (1972) [24:15]; 2. 'Reigen seliger Geister' (1989) [26:28]; 3. 'Grido' (2001) [25:24].

 

Aquí puede escuchar 'Gran Torso'.


CD; Duración total: 76:17


lunes, 19 de octubre de 2020

Morton Subotnick: "Volume 4: Complete Works for Piano"


Morton Subotnick
Volume 4: Complete Works for Piano

(mode 306)


15,50 EUR más gastos de envío - Pídelo


La colección de ediciones discográficas que el sello Mode Records viene dedicando a la obra de Morton Subotnick (Los Ángeles, 1933) sigue su andadura. Tras haber publicado tres registros centrados en la música exclusivamente electrónica del veterano compositor (mode 97, mode 132 y mode 237), en enero de 2019 se produjo el lanzamiento de este álbum en el que quedaron reunidas todas sus composiciones para piano: son seis únicamente, cuatro de ellas aparecidas en disco por primera vez.

 

55 años separan la partitura más antigua, su preludio para piano solo 'The Blind Owl' (1957), de la más reciente, 'Falling Leaves' (2012), también para piano solo. La electrónica, principal resorte en la carrera musical del compositor, sigue estando presente, sin embargo, en tres de las propuestas: 'The Other Piano' (2007), para piano y electrónica en vivo; 'Liquid Strata' (1977), para piano y ghost electronics; y 'Prelude for Piano IV' (1966), para piano y cinta.

 

La concertista de origen surcoreano SooJin Anjou es la pianista del disco. Colaboró estrechamente con el compositor en la realización de estas grabaciones. Grabaciones que fueron efectuadas a lo largo de dos sesiones: en mayo de 2014 en Nueva York y en diciembre de 2015 en Berlín.

 

El libreto de doce páginas que viene con el CD cuenta con un interesante ensayo en inglés que firma el pianista, escritor y músico electrónico Bob Gluck.

 

"Complete Piano Works" CD: 1. – 4. 'The Other Piano' (2007) 29:22; 5. 'Falling Leaves' (2012) 8:43; 6. 'Liquid Strata' (1977) 26:38; 7. 'The Blind Owl' [Prelude for Piano I] (1957) 6:08; 8. 'Surface Effect' [Prelude for Piano II] (1961); 9. 'Prelude for Piano IV' (1966) 6:12.


Aquí puede escuchar un fragmento de 'The Other Piano'.


CD: Duración total: 79:22


lunes, 31 de agosto de 2020

Charles Ives y varios artistas: "Responses to Ives"


Charles Ives y varios artistas
Responses to Ives
(mode 211)

13,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

"Responses to Ives" es el recital pianístico que en 2003 concibió la intérprete Heather O'Donnell para homenajear la figura de Charles Ives (Danbury, 1874 – Nueva York, 1954) en el 50 aniversario de su fallecimiento. Diversas obras pertenecientes al repertorio del genial compositor estadounidense alternadas con otras escritas para la ocasión por Walter Zimmermann, Sidney Corbett, James Tenney, Michael Finnissy, Oliver Schneller, George Flynn y Frederic Rzewski, fueron presentadas por la propia O'Donnell en concierto el 21 de marzo de 2004 en el marco del festival berlinés MaerzMusik.

El CD de Mode Records que presentamos, editado en 2009, consiste en un posterior registro en estudio de "Responses to Ives". Las sesiones de grabación tuvieron lugar en Colonia, en la Deutschlandfunk Kammermusiksaal, en abril de 2007 y enero de 2008, y O'Donnell fue nuevamente la pianista de todas ellas. Lamentablemente, el disco no incluye (entendemos que por limitación de espacio) las piezas que George Flynn y Frederic Rzewski compusieron para el proyecto. En cuanto a las notas contenidas en el libreto trilingüe (en inglés, alemán y francés) que acompaña al disco, fueron escritas asimismo por O'Donnell.

 

"Responses to Ives" CD: 1. Charles Ives 'Study No. 21: Some Southpaw Pitching!' (2:15); 2. Walter Zimmermann 'the missing nail at the river' [para piano y piano de juguete] (5:50); 3. – 7. Charles Ives 'Set of Five Take-Offs' (11:55); 8. Sidney Corbett 'The Celestial Potato Fields' (10:07); 9. Charles Ives 'Moderato' [Four Transcriptions from "Emerson"] (3:47); 10. James Tenney 'Essay' [after a sonata] [para el interior del piano] (11:30); 11. Charles Ives 'Largo' [Four Transcriptions from "Emerson"] (2:35); 12. Charles Ives 'Study No. 9: The Anti-Abolitionist Riots in the 1830's and 1840's' (3:22); 13. Michael Finnissy 'Song of Myself' (11:07); 14. Charles Ives 'London Bridge Is Fallen Down!’ (1:03); 15. Oliver Schneller 'And tomorrow...' [para piano y electrónica] (5:41).

 

Aquí puede escuchar 'And tomorrow...'.

CD; Duración total: 69:34

jueves, 29 de agosto de 2019

John Cage: "The Works for Piano 10"

John Cage
The Works for Piano 10
(mode 304)

17,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

1. – 2. ’Two Pieces for Piano’ (1935) 3:18; 3. – 8. ’Solo for Piano (from the Concert for Piano and Orchestra)’ (1958) 46:13; 9. – 10. ’Two Pieces for Piano’ (1946) 10:34; 11. ’Swinging’ (1989) 0:57.

Con este son ya diez los álbumes dedicados exclusivamente a la obra de piano de John Cage (1912–1992) que ha publicado Mode Records. ”The Works for Piano 10” constituye además el quincuagésimo tercer lanzamiento que el sello consagra a la música del compositor estadounidense.

Destaca en él ‘Solo for Piano’, creación indeterminada perteneciente a su ‘Concert for Piano and Orchestra’ (1958), cuya duración ocupa aquí tres cuartas partes del disco. Junto a ella encontramos asimismo la brevísima ‘Swinging’, composición basada en ‘La balançoire’ de Erik Satie que Cage escribió en 1989. El registro cuenta, por último, con dos trabajos titulados del mismo modo: 'Two Pieces for Piano’. El primero, compuesto en 1935 y revisado en 1974, muestra cierta influencia de las ideas seriales aprendidas de su entonces profesor Arnold Schoenberg. En el segundo, de 1946, el compositor anticipa de algún modo varios fragmentos de ’The Seasons’, obra que completaría al año siguiente en sus versiones pianística y orquestal.  

Con interpretaciones al piano de Thomas Schultz, “The Works for Piano 10” fue grabado en noviembre de 2013 en el Dinkelspiel Auditorium de la universidad californiana de Stanford. El propio intérprete figura además como productor de la grabación y autor de las notas en inglés que se incluyen en el libreto que acompaña al CD.

Aquí puede escuchar un fragmento de ‘Solo for Piano'.

CD; Duración total: 61:02

martes, 19 de marzo de 2019

John Luther Adams: "Strange and Sacred Noise"

John Luther Adams
Strange and Sacred Noise
(mode 153)

18,50 EUR más gastos de envío - Agotado

“Strange and Sacred Noise” fue objeto del décimo álbum en la discografía de John Luther Adams (Estados Unidos, 1953). Mode Records lo publicó en 2005 tanto en CD como en DVD (solo dispongo de unos pocos ejemplares a la venta del DVD).

Escrita entre 1991 y 1997 para cuarteto de percusión e integrada por nueve movimientos, la obra constituye, en palabras del propio compositor: ‘...una celebración del ruido como metáfora de los fenómenos turbulentos que acontecen en el mundo que nos rodea, y una puerta abierta a la experiencia extática’.

Allen Otte, James Culley y Russell Burge (Percussion Group Cincinnati), contando con la colaboración de Stuart Gerber, Matt McClung y Brady Harrison, figuran aquí como intérpretes de “Strange and Sacred Noise”. La grabación de la obra tuvo lugar entre el 12 y 15 de noviembre de 1998 en el Teatro Patricia Corbett perteneciente a la Universidad de Cincinnati.

Acompaña al DVD un libreto trilingüe (en inglés, alemán y francés) en el que se reproducen notas a cargo del mismo John Luther Adams y del conocido percusionista norteamericano Steven Schick. 

Nota: la grabación de “Strange and Sacred Noise” (5.0 Surround Sound o Stereo: 48khz/24-bit PCM) no viene acompañada de video. El único contenido audiovisual del DVD es ‘A Brief History of Noise’, una conversación de una hora de duración que mantienen en el estudio del compositor, el propio John Luther Adams y Allen Otte, integrante y director del Percussion Group Cincinnati.

“Strange and sacred noise” (1997) DVD1. ‘...dust into dust...’ para dos cajas y dos tambores militares (9:15); 2. ’solitary and time-breaking waves’ para cuatro tam-tams (10:44); 3. ‘velocities crossing in phase-space’ para ocho tom-toms y dos bombos (9:40); 4. ’triadic iteration lattices’ para cuatro sirenas (8:22); 5. ‘clusters on a quadrilateral grid 1’ para cuatro marimbas (8:39); 6. ‘clusters on a quadrilateral grid 2’ para cuatro vibráfonos (4:36); 7. ‘clusters on a quadrilateral grid 3’ para cuatro juegos de crótalos y campanólogo (4:31); 8. ‘clusters on a quadrilateral 4’ para cuatro marimbas (8:35); 9. ‘…and dust rising…’ para dos cajas y dos tambores militares (8:43).

Contenido extra del DVD: ‘A Brief History of Noise’ –una conversación entre John Luther Adams y Allen Otte– (61:43). Cuenta con subtítulos en inglés, alemán, francés y español.

Aquí puede escuchar ‘triadic iteration lattices’, una de las nueve secciones de “Strange and Sacred Noise”.

DVD; Duración total: 135:00

jueves, 4 de octubre de 2018

George Crumb: "Makrokosmos I & II"

George Crumb
Makrokosmos I & II
(mode 142)

13,50 EUR más gastos de envío - Agotado

Dispongo de unas pocas unidades de este CD publicado en 2004 por Mode Records que cuenta con una excelente grabación de los primeros dos volúmenes de “Makrokosmos” (Veinticuatro piezas de fantasía sobre el Zodiaco para piano amplificado), escritos respectivamente en 1972 y en 1973 por el veterano compositor estadounidense George Crumb (Charleston, 1929). El primer volumen lo compuso en memoria de Béla Bartók y lo dedicó a David Burge, pianista que lo estrenó en Colorado Springs en febrero de 1973. El segundo, concebido en memoria de Gustav Mahler, se presentó por primera vez en el Alice Tully Hall de Nueva York, en noviembre de 1974, interpretado por Robert Miller. Ambos volúmenes constituyen, en palabras de Steven Bruns, profesor de teoría musical y experto en la obra de Crumb, la exploración más completa e influyente de los nuevos recursos técnicos del piano del final del pasado siglo.

Las sesiones de grabación tuvieron lugar entre el 23 y 25 de julio de 2003 en el Lang Concert Hall del Swarthmore College, en Pensilvania, contando con la supervisión del propio compositor. Los intérpretes fueron: Margaret Leng Tan (piano) y Alex Nowitz (silbido). El libreto trilingüe (en inglés, alemán y francés), de 24 páginas, que incluye la edición contiene un magnífico ensayo acerca de “Makrokosmos I y II" firmado por el ya citado Steven Bruns.

VOLUME I: Part One 1. ‘Primeval Sounds' (Genesis I); 2. ‘Proteus'; 3. ‘Pastorale’ (from the Kingdom of Atlantis, ca. 10,000 B.C.); 4. ‘Crucifixus' [Symbol]; Part Two 5. ’The Phantom Gondolier’; 6. ‘Night-Spell I’; 7. ‘Music of Shadows' (for Aeolian Harp); 8. ‘The Magic Circle of Infinity' (Moto perpetuo) [Symbol]; Part Three 9. ‘The Abyss of Time’; 10. ‘Spring-Fire’; 11. ‘Dream Images’ (Love-Death Music); 12. ‘Spiral Galaxy' [Symbol]; VOLUME II: Part One 13. ‘Morning Music’ (Genesis II); 14. ‘The Mystic Chord’; 15. ‘Rain-Death Variations’; 16. ‘Twin Suns’ (Doppelgänger aus der Ewigkeit) [Symbol]; Part Two 17. ‘Ghost-Nocturne: for the Druids of Stonehenge’ (Night-Spell II); 18. ‘Gargoyles’; 19. ‘Tora! Tora! Tora!' (Cadenza Apocalittica); 20. ‘A Prophecy of Nostradamus' [Symbol]; Part Three; 21. ‘Cosmic Wind’; 22. ‘Voices from Corona Borealis’; 23. ‘Litany of the Galactic Bells’; 24. ‘Agnus Dei' [Symbol].

CD; Duración total: 63:06

lunes, 30 de abril de 2018

Karlheinz Stockhausen: "Kurzwellen"

Karlheinz Stockhausen
Kurzwellen
(mode 302)

17,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

El próximo sábado 5 de mayo se cumplirán cincuenta años del estreno de “Kurzwellen” (1968), creación musical de Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Fue presentada por el compositor alemán junto a los cinco integrantes de su propia ensemble (Aloys Kontarsky, Alfred Alings, Rolf Gehlhaar, Johannes Fritsch y Harald Bojé) en el marco del festival Pro Musica Nova, en los estudios de televisión de Radio Bremen. Figura como vigesimoquinta en su catálogo de obras y tiene como dedicatario a Hugo Wolfram Schmidt, el iniciador de los Cursos de Música Contemporánea de Colonia, en la Rheinische Musikschule.

Comprendida entre las partituras procesales de Stockhausen, escritas principalmente durante los años sesenta, “Kurzwellen” fue además la primera de una serie de cuatro piezas en las que el/los intérprete/s debía/n utilizar la radio de onda corta como instrumento musical. Un aparato cuyas emisiones de remota y variada procedencia fascinaban al compositor particularmente por su cualidad acústica. La serie de cuatro piezas la completaron: “Spiral” (1968), “Pole” (1969-70) y “Expo” (1969-70).

“Kurzwellen” fue escrita para piano, electronium, tam-tam, viola, filtros, reguladores y receptores de onda corta. Consiste básicamente en un trabajo de interacción musical con diversos eventos radiofónicos. La partitura instruye a los músicos detallando el plan de actuación y deja a discreción de estos la producción de los concretos acontecimientos sonoros que deban sucederse. Cada intérprete, además de hacerse cargo de su propio instrumento, cuenta con un receptor de onda corta a través del cual recibe el material musical frente al que tendrá que reaccionar: imitándolo, transponiéndolo y modulándolo. Con sus otros compañeros intérpretes compartirá similar proceder a lo largo de la ejecución.

Medio siglo después de ese estreno de “Kurzwellen” en la ciudad de Bremen, el sello americano Mode Records nos brinda esta grabación relativamente reciente de la obra. Se trata de una nueva versión producida por la C.L.S.I. Ensemble para cuatro instrumentos, cuatro radios de onda corta, seis ordenadores y un director. La grabación tuvo lugar en enero 2012 en los estudios GRM de Radio France (París), y la mezcla final fue efectuada en 2017 en Harvestworks (Nueva York).

C.L.S.I. Ensemble (Cercle pour la Libération du Sound et de l’Image): Jacqueline Mefano, piano; Lissa Meridan, receptor de onda corta, filtros y moduladores en anillo; Michael Kinney, sintetizador y electrónica en vivo; Martin Phelps, receptor de onda corta y electrónica en vivo; Olga Krashenko, viola; Gerard Pape, receptor de onda corta, filtros y moduladores en anillo; Stefan Tiedje, cuencos tibetanos y electrónica en vivo; Rodolphe Bourotte, receptor de onda corta y electrónica en vivo; Paul Mefano, dirección.

El libreto que acompaña al CD incluye el ensayo en inglés del musicólogo Leopoldo Siano: “Kurzwellen: Stockhausen and the shortwaves”.

“Kurzwellen” CD: 1. ‘Kurzwellen’ (48:02).


CD; Duracion total: 48:02

lunes, 18 de septiembre de 2017

Joan La Barbara: "The Early Immersive Music of Joan La Barbara"

Joan La Barbara
The Early Immersive Music of Joan La Barbara
(mode 298)

17,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Coincidiendo prácticamente con la fecha de celebración del 70 aniversario de la vocalista y compositora Joan La Barbara, el pasado 8 de junio, Mode Records ha presentado la edición en CD y también en Bluray (todavía no contamos con unidades disponibles en este soporte) de una cuidada grabación con tres obras tempranas de la artista estadounidense. Dos de ellas, ‘Autumn Signal’ (1978) y ‘as lightning comes, in flashes’ (1981) fueron originalmente publicadas en vinilo por Wizard Records, un pequeño sello del que fue dueña la propia Joan La Barbara. Por su parte, ‘CYCLONE’, realizada entre 1976 y 1977, aparece en disco por primera vez.

La Barbara concibió inicialmente las tres composiciones en formato multicanal para poder ofrecerlas en concierto utilizando múltiples altavoces y un diseño de audio que permitiera un efectivo movimiento espacial del sonido. Y precisamente con voluntad de preservar en lo posible esa concepción original de las piezas surge ahora “The Early Immersive Music of Joan La Barbara”. Bajo la supervisión de la misma autora se restauraron recientemente las correspondientes cintas originales, transfiriéndolas al ámbito digital de alta calidad. Posteriormente fueron remezcladas de nuevo en sonido estéreo y surround.

Inspirándose en el dinamismo que emana del texto “Sweethearts”, perteneciente al poeta Emmett Williams, así como en la multiplicidad de puntos de vista que sugiere el trabajo coreográfico de Merce Cunningham, La Barbara ideó y compuso ‘Autumn Signal’ para voz y sintetizador Buchla. Fue producida en cinta de ocho pistas y mezclada después en cuatro canales de audio. Su estreno tuvo lugar el 22 de octubre de 1978 en un concierto celebrado en el marco del Festival Metamusik de Berlín.

Producida también en cinta de ocho pistas, ‘as lightning comes, in flashes’ fue concebida como una gran performance al aire libre que incluía siete cantantes, cinco bailarines, vestuario sobredimensionado, electrónica y video. Fue presentada el 28 de febrero de 1981 en el Festival de Música Contemporánea del California Institute of the Arts. Para la grabación destinada a la edición de vinilo, hoy restaurada y nuevamente remezclada, La Barbara figura como la única intérprete vocal.

CYCLONE’, estrenada en Bonn el 14 de mayo de 1977, durante el ISCM Weltmusiktage, obtuvo el Premio Internacional del Jurado por la creación de un ambiente sonoro. La obra fue realizada en cinta de dieciséis pistas procurando que su sonido envolvente evocara la viveza de ese temible viento. La Barbara contó aquí con la colaboración interpretativa del músico Bruce Ditmas (sintetizador ARP 2600, steel guitar y percusión). Ella puso, como siempre, su voz pero también tocó percusión y empleó procesadores de audio.

La producción de “The Early Immersive Music of Joan La Barbara” ha recibido el apoyo de The Aaron Copland Fund for Music, Robert D. Bielecki Foundation y New Music USA.

El libreto que acompaña al CD contiene textos de Bernard Gendron y Joan La Barbara.

"The Early Immersive Music of Joan La Barbara" CD: 1. 'as lightning comes, in flashes' (1981) 22:05; 2. 'Autumn Signal' (1978) 13:20; 3. 'CYCLONE' (1976-77) 30:39.


CD; Duración total: 66:04

miércoles, 20 de enero de 2016

Luc Ferrari, Brunhild Ferrari, Vincent Royer: "Éphémère…"

Luc Ferrari, Brunhild Ferrari, Vincent Royer
Éphémère
(mode 285)

17,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

Entre las novedades aparecidas en el sello Mode Records a finales del año pasado encontramos el CD "Éphémère...". Un álbum en el que se entrecruzan los caminos musicales de estos tres creadores: Luc Ferrari (1929-2005), Brunhild Ferrari y Vincent Royer. Por este orden figuran aquí como autores respectivamente de 'Éphémère', 'Le Piano Englouti' y 'Pour que le vent soit propice'.

Los tres trabajos cuentan con ejecuciones a la viola del músico Vincent Royer y se sustentan fundamentalmente en la previa elaboración de montajes con sonidos fijados. Fijados o, mejor dicho, "memorizados". Así denominaba Luc Ferrari a los sonidos ambientales que grababa para destinarlos a sus composiciones. Y a él se debe precisamente la cinta que elaboró en 1974 con la que evocaba misteriosamente el efecto vaivén del mar. 'Éphémère' fue concebida como una pieza para cinta sola o para ser combinada con instrumentación libre. Aquí llega en una versión que en 2012 adaptó la propia esposa del autor, Brunhild Ferrari, para que pudiera acompañarla la viola de Royer. Un continuo sonoro electrónico del que dimanan distintas voces casi en murmuro sirve al intérprete para corresponder con un conjunto de sonoridades que no parecen producidas únicamente con su instrumento de cuerda. Claramente se advierten también varios sonidos percusivos así como las efímeras resonancias de un piano.

Justamente los sonidos grabados de este último instrumento gozan de mayor protagonismo en 'Le Piano Englouti', creación que Brunhild Ferrari completó en 2012. También realizada en cinta, la obra resulta de la conexión de distintos materiales sonoros que la autora captó a lo largo de los años, recorriendo países diversos. Al instrumentista se le sugiere aquí que deje guiarse por las cualidades de unos eventos memorizados que parecen aludir principalmente al ámbito marítimo. Sus intervenciones logran reforzar el tono más que sombrío de un relato sonoro inspirado en 'La cathédrale engloutie', uno de los veinticuatro preludios para piano que Debussy escribió entre 1909 y 1913.

Por último, el disco concluye con la propuesta más extensa: 'Pour que le vent soit propice'. Se trata de una obra para viola, voz, percusión y cintas, que Royer presentó en concierto el 3 de julio de 2011 en el marco del Traumzeit Festival de la ciudad alemana de Duisburgo. La grabación incluida en el CD corresponde a esa actuación. Además de múltiples ruidos y sonidos de su viola pregrabados que utiliza como material añadido a su propia interpretación en vivo, Royer dialoga asimismo con 'Ce qu'a vu le Cers' (1978), una cinta compuesta una vez más por Luc Ferrari y cedida para la ocasión por Brundhild. En ella nos descubre la vida en un pequeño pueblo del sur de Francia en el que acostumbra a soplar un viento del norte llamado Le Cers y suenan ocasionalmente los acordes de un folklore imaginario. Argumentos suficientes para que Royer experimente y muestre sus indudables habilidades interpretativas.

"Éphémère..." CD: 1. Luc Ferrari 'Éphémère' (1974, revisada en 2012) 13:08; 2. Brunhild Ferrari 'Le Piano Englouti' (2012) 18:03; 3. Vincent Royer 'Pour que le vent soit propice' (2011; con la cinta de Luc Ferrari 'Ce qu'a vu le Cers' de 1978) 40:23.

CD: Duración total: 71:34

lunes, 7 de septiembre de 2015

Alvin Lucier: "Broken Line"

Alvin Lucier
Broken Line
(mode 281)

16,85 EUR más gastos de envío - Pídelo

"Alvin Lucier es el gran poeta americano de los fenómenos acústicos". Pocas frases pueden resultar más apropiadas que esta para referirse de forma concisa al veterano compositor (1931, Nashua, New Hampshire), autor de genuinos hitos de la experimentación musical como son "Music for Solo Performer" (1965) o "I am Sitting in a Room" (1970). La escribió el musicólogo irlandés Bob Gilmore, tristemente fallecido el segundo día de este 2015, como inicio del texto que se incluye en el libreto de este reciente CD que ahora presentamos.

Producida en 2012 por Deutschlandradio Kultur y publicada en marzo de 2015 por el sello Mode Records, la grabación contiene cuatro trabajos de Lucier: tres compuestos durante la década de los ochenta, más el que da título al álbum, "Broken Line", escrito en 2006. Figuran aquí como intérpretes de las cuatro obras los músicos integrantes del Trio Nexus: Erik Drescher, Sebastian Berweck y Martin Lorenz.

La recreación con instrumentos musicales de sonidos captados en el entorno constituye la idea inspiradora de 'Carbon Copies' (1989), primera de las propuestas que el disco nos ofrece. Cuenta con una duración de veinte minutos y su ejecución requiere de la reproducción de registros ambientales efectuados con antelación por el trío de intérpretes. El flautista E. Drescher decidió captar los sonidos producidos por un pájaro encerrado en una jaula; S. Berweck (piano) eligió los de su cafetera haciendo café; y M. Lorenz (percusión) los de un grifo goteante en su cocina.

Durante la primera de las cuatro secciones que componen la obra -ocupan cinco minutos justos cada una- los músicos únicamente escuchan con atención la reproducción simultánea de esas tres grabaciones ambientales difundida en altavoces; en el transcurso de los siguientes cinco minutos siguen escuchando esos sonidos, ahora con auriculares, al mismo tiempo que tratan de imitarlos con sus respectivos instrumentos; en la tercera sección desaparecen los sonidos emitidos por altavoces pero los ejecutantes deben continuar imitándolos, pues siguen oyéndolos a través de los auriculares; y, por espacio de los últimos cinco minutos, la reproducción de las grabaciones ha cesado ya del todo pero los músicos han de seguir tocando, ya sea de memoria o imaginando como continuarían esos sonidos.

Originalmente compuesta para tres instrumentistas de viento -los miembros de la formación italiana Ex Novo Ensemble- y objeto resonante, 'Risonanza' (1982) llega ahora en una realización alternativa para objetos resonantes y electrónica. El trío Nexus tuvo aquí la misión de encontrar el elemento idóneo al que poder convertir en un ejecutante más en la pieza. Un simple objeto cuya sonoridad intrínseca aflorase exclusivamente por excitación sonora, sin que los músicos interviniesen frotándolo, percutiéndolo o tocándolo de algún modo. Al fin, tras no poca actividad explorando y experimentando, lograron dar no con uno, sino dos cuerpos resonantes ideales: un barril grande de aceite y un plato crash de percusión. De ambos objetos acabó emanando una música vibratoria propia, un sonar envolvente y prolongado del que fueron causa directa una serie de tonos lanzados con un sintetizador Nord G2, comandado, eso sí, por nuestros tres intérpretes de carne y hueso.

De la conjunción de cuerpos resonantes y osciladores electrónicos surge también 'Music for Pure Waves, Bass Drums and Acoustic Pendulums', el trabajo más longevo del registro. Lucier lo compuso en 1980. Las ondas de baja frecuencia que aquí arrojen los osciladores, siempre manejados por los músicos, cumplirán ahora la función de excitar las pieles de cuatro bombos cuyas vibraciones pondrán en movimiento una serie de péndulos suspendidos frente a ellos. De cada uno de esos péndulos, hechos con hilo pescar, cuelga una bola de ping-pong cuyo balanceo por la acción vibratoria de los cuatro parches conllevará el golpeo dulce y rítmico de esas superficies percusivas. Aunque la que aquí se nos ofrece sea la ejecución concebida para su presentación en concierto, el autor previó asimismo una versión instalativa de 'Music for Pure Waves, Bass Drums and Acoustic Pendulums'.

Por último, el disco concluye con 'Broken Line' (2006), partitura para flauta, piano y vibráfono que Lucier escribió por encargo expreso del Trio Nexus. Durante los doce minutos que dura la pieza el flautista, E. Drescher, ejecuta sin apenas pausa una sucesión de glissandi ascendentes y descendentes en frases de cuatro, ocho y doce segundos. Por su parte, tanto el piano de Berweck como el vibráfono de Lorenz responden al paso de esas frases en continuo movimiento con tonos de larga duración. Del encuentro entre ambas líneas interpretativas aparecerán leves golpes o sacudidas audibles producidos al interferirse entre sí sonidos de frecuencias ligeramente distintas.

"Broken Line" CD: 1. 'Carbon Copies' (1989) 20:06; 2. 'Risonanza' (1982) 13:12; 3. 'Music for Pure Waves, Bass Drums and Acoustic Pendulums' (1980) 18:52; 4. 'Broken Line' (2006) 11:55.

CD; Duración total: 64:27

lunes, 3 de noviembre de 2014

Phill Niblock: "Brazil 84"

Phill Niblock
Brazil 84
(mode 273)

23,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

El nuevo DVD que publica Mode Records nos presenta al creador estadounidense Phill Niblock (Anderson, Indiana, 1933) en su doble faceta de realizador cinematográfico y compositor.

"Brazil 84", así se titula el flamante registro, contiene la película resultante de un conjunto de filmaciones en 16 milímetros que el autor efectuó en 1984 recorriendo el litoral brasileño, desde las poblaciones de Salvador de Bahía a Natal. Como en tantos otros trabajos filmográficos de su serie "The Movement of People Working" (1973-1991), Niblock filmó también aquí a múltiples personas en el desempeño de su trabajo cotidiano. A lo largo de los 77 minutos de duración de la película se suceden, sin pausa, diversas secuencias mudas de imágenes coloristas mostrando a hombres y mujeres, trabajadores del mar, en actividades como las de la pesca de arrastre, la manutención de las redes, o la construcción y reparación de las embarcaciones de madera. Son creaciones visuales realistas, exentas de cualquier artificio y contrarias a una lógica narrativa. Su cualidad primordial reside en el despliegue de un incesante movimiento repetitivo capaz de hipnotizar al espectador.

A la película le acompaña, sin embargo, una banda sonora consistente en dos composiciones instrumentales del propio Niblock: 'Three Orchids' (2003), para tres orquestas (el DVD incluye dos realizaciones de esta misma obra: una interpretada por integrantes de la SEM Ensemble repartidos en tres grupos instrumentales, y otra ejecutada por el Trio Scordatura junto al músico Guy De Bièvre y acompañados ambos por un soporte multipista) y 'Tow by Tom' (2005), para dos orquestas (de nuevo el Trio Scordatora y la Nelly Boyd Ensemble).

Ya sea en su modalidad habitual y predominante -la electroacústica-, o en la que aquí se ofrece, esto es, la confiada casi en su totalidad a la interpretación en vivo por instrumentistas, su música produce siempre el mismo efecto. Niblock concibe densas tramas de sonidos largamente sostenidos para que ocupen el espacio de audición con firmeza enérgica. Sonidos acústicamente muy próximos entre sí, unidos en esa presencia abrumadora de propagación envolvente que el autor irá colmando de sutilezas armónicas y tímbricas. A este respecto conviene señalar el acierto que supone la inclusión en el DVD de hasta tres opciones de audio (Dolby Stereo, Dolby 5.1 Surround y DTS 24-bit 5.1 Surround), pues parece predisponer a una escucha especialmente cuidadosa de la banda sonora.

La edición contiene además un libreto de ocho páginas con textos acerca de la grabación, la música y la película.

"Brazil 84" DVD: 1. 'Brazil 84' ('Three Orchids'; 'Tow by Tom'; 'Three Orchids').

Formato: DVD; Duración total: 77:00

lunes, 29 de julio de 2013

John Cage: "Variations V"

John Cage
Variations V
(mode 258)

23,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

El volumen 48 de la colección de registros que la firma Mode Records viene dedicando a John Cage (1912-1992) desde mediados de los años ochenta del pasado siglo, corresponde a esta primera edición en DVD de "Variations V".

La quinta de la serie de ocho "Variaciones" que el compositor produjo entre 1958 y 1978, surgió por encargo de los patrocinadores del Festival Franco-Americano, celebrado en 1965, en el Philharmonic Hall del Lincoln Center de Nueva York. Fue ideada como una creación multimedia en la que concurrirían la música electrónica de Cage, la danza de Merce Cunningham, proyecciones y efectos visuales a cargo de Stan VanDerBeek y Nam June Paik respectivamente, y una iluminación especial diseñada por Beverly Emmons. La partitura, escrita curiosamente con posterioridad a la ejecución de la obra, consistió en un conjunto de simples notas que instruirían a todo aquel que en el futuro quisiera emprender su realización.

Precedido de una notable expectación, el estreno de "Variations V" tuvo lugar el 23 de julio de 1965 en el mentado Lincoln Center. Los movimientos coreográficos realizados por los bailarines (Merce Cunningham, Carolyn Brown, Barbara Dilley Lloyd, Sandra Neels, Albert Reid, Peter Saul y Gus Solomons Jr.) a lo largo de la función, fueron captados en el escenario por doce antenas desarrolladas por Robert Moog y un juego de células fotoeléctricas diseñadas por el científico de los Laboratorios Bell, Billy Klüver, de tal manera que esa interacción desencadenó la transmisión de sonidos a una mezcladora de cincuenta canales cuya salida pudo oírse a través de seis altavoces repartidos en el interior de la sala. El material sonoro constituido por fragmentos grabados de diversos proyectos musicales de Cage, entre ellos "Williams Mix" y "Fontana Mix", objetos amplificados y emisiones radiofónicas, fue supervisado por el propio Cage y los compositores James Tenney, Malcom Goldstein y Fredric Lieberman. Cage y David Tudor operaron la mezcladora. La performance se complementó además con la proyección simultánea de un atractivo collage fílmico ejecutado por Stan VanDerBeek y unas imágenes televisivas procesadas por Nam June Paik. El crítico de música y danza del New York Times, Allen Hughes, escribía a los pocos días: Me parece que los señores Cage y Cunningham pueden habernos ofrecido una fascinante, si bien sumamente primitiva mirada a un extraordinario teatro del futuro.

Un año después del estreno en Nueva York y tras haber concluido una gira europea de verano, la compañía de Cunningham recaló en Hamburgo para cumplir con el compromiso de prestarse a una filmación en estudio de "Variations V". Producida por la NDR (Norddeutscher Rundfunk) y dirigida por Arne Arnbom, la película resultante es uno de los pocos filmes disponibles del grupo en la década de los sesenta. En lo sustantivo, la obra filmada conserva prácticamente todos los ingredientes originales, si bien la plantilla de músicos fue, en esta ocasión, más reducida: John Cage, David Tudor y Gordon Mumma.

El DVD, publicado ahora por Mode Records, contiene la película realizada por la televisión alemana en 1966 (47 minutos), una versión solo audio de otra ejecución de la obra efectuada en París ese mismo año (40 minutos) y, finalmente, dos entrevistas actuales hechas por David Vaughan, archivero de la Compañía de Danza de Merce Cunningham, a Carolyn Brown (40 minutos) y a Sandra Neels y Gus Solomons Jr. (30 minutos), bailarines, los tres, presentes en la producción original. La edición incluye además un libreto con algunas fotografías de archivo y escritos de Rob Haskins y de Gordon Mumma con Michelle Fillion.

DVD-Video NTSC; todas las zonas; blanco y negro / color; subtítulos en inglés y alemán únicamente en la introducción de la película.


Formato: DVD; Duración total: 157:00

lunes, 4 de junio de 2012

John Luther Adams: "songbirdsongs"

John Luther Adams
songbirdsongs
(mode 240)

16,85 EUR más gastos de envío - Pídelo

El mundo natural y, en particular, la amplitud y belleza del paisaje del Ártico, así como un profundo sentido de arraigo, han estado siempre presentes en el ideario creativo del compositor estadounidense John Luther Adams (1953- ). Desde 1978, año en el que fijó su residencia en el área de Fairbanks (Alaska), ha compuesto obras para orquesta, conjuntos de cámara, instrumentos solistas, instalaciones, cine, televisión y teatro. Su música ha sido interpretada, entre otros, por formaciones como The Paul Dresher Ensemble, Bang On A Can, The California Ear Unit, The Callithumpian Consort y Percussion Group Cincinnati. Desde 1982 a 1989 actuó como percusionista en la Orquesta Sinfónica de Fairbanks y en la Orquesta de Cámara del Ártico. Además de haber sido presidente del Centro de Música Americana, Adams ejerció como profesor en la Universidad de Alaska, en el Conservatorio de Música de Oberlin y en el Bennington College. Cuenta con doce grabaciones publicadas y es, asimismo, autor de los libros "Winter Music: Composing the North" y "The Place Where You Go to Listen: In Search of an Ecology of Music", aparecidos en la editorial Wesleyan University Press. De los numerosos reconocimientos y galardones obtenidos a lo largo de su carrera musical, destacan los que ha recibido de The Foundation for Contemporary Arts, The Rockefeller Foundation, Rasmuson Foundation y National Endowment for the Arts.

Entre los años 1974 y 1979, Adams compuso un ciclo de canciones instrumentales inspiradas en los cantos de múltiples pájaros que habitaban en los bosques de los estados de Georgia y Alaska. El ciclo al que denominó como "songbirdsongs", aparece en CD por primera vez en este flamante registro de Mode Records. Treinta años atrás, en 1982, fue también publicado como disco de vinilo en el sello Opus One.

Escritas para piccolos, ocarinas, flautas y percusión, y ejecutadas aquí por integrantes de The Callithumpian Consort, estas nueve piezas surgieron de la minuciosa observación del comportamiento y sonar de pequeñas aves como el zorzal de bosque, el gorrión cantor, la reinita del pinar o el cardenal norteño. Hasta diecinueve especies quedan representadas en estas breves y bellísimas composiciones a las que el autor se refiere como ecos de excepcionales momentos y lugares en los que las voces de pájaros han resultado claras y yo he permanecido lo suficientemente callado para escuchar.

Sirviéndose de las abundantes anotaciones obtenidas del examen de esos pájaros en sus propios hábitats, Adams confeccionó una partitura que contiene tres elementos básicos: una serie de instrucciones interpretativas aplicables a todo el ciclo, una suerte de mapa de eventos para cada una de las piezas y, por último, las partes correspondientes a cada instrumento, esto es, un conjunto de frases sin orden aparente que los músicos deben ejecutar durante los distintos movimientos de la obra.

Lejos de considerar la posibilidad de imitar o transcribir literalmente las voces y cantos de las aves, el interés radica aquí en la pura evocación musical de su expresividad y comportamiento más espontáneos. Para ello, y también con el propósito de infundir en el ánimo del intérprete destellos de arrojo y autonomía, semejantes acaso a los que, de por sí, experimenta el pájaro en su entorno natural, Adams solicita de aquel una ejecución musical flexible, regida por cierta intuición: La música debería ser tocada con la libre entonación e inflexión del canto de pájaros, no en su temperamento exacto. El tiempo también debería discurrir libre y fluido... El ritmo apropiado resultará aparente al escuchar la música de ese momento. Procure tocar sin pensar, dando forma a la música a medida que ésta va desplegándose ¡Que los silencios no le asusten!... La alternancia entre frases y pausas no debería parecer demasiado regular... En estas canciones, el contrapunto surge de la interacción informal y espontánea entre las partes... (fragmentos de algunas de las instrucciones generales incluidas en la partitura de "songbirdsongs")

Como complemento a 'songbirdsongs', el disco incluye también 'Strange Birds Passing', escrita en 1983 para octeto de flautas y piccolos, e interpretada aquí por músicos de la New England Conservatory Contemporary Music Ensemble. Aunque de apariencia más convencional, la pieza entronca asimismo con esa etapa temprana del compositor en la que la musicalidad hallada en la naturaleza constituyó una verdadera revelación. Y como no, una vez más los pájaros vuelven a ser protagonistas de esta breve evocación. Sin la frescura y originalidad propias de 'songbirdsongs', 'Strange Birds Passing' destaca, sin embargo, por su despliegue planeante, amén de una elaborada cohesión tímbrica, peculiaridades alusivas seguramente al vuelo en comunión de la extraña bandada que Adams imaginó.

Las grabaciones de ambos trabajos contenidas en este CD fueron efectuadas en 2006 y 2008 en el Jordan Hall del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, en Boston, Massachussetts.

"songbirdsongs" CD: 1. - 9. 'songbirdsongs' ('Wood Trush'; 'Morningfieldsong'; 'Meadowdance'; 'August Voices'; 'Mourning Dove'; 'Apple Blossom Round'; 'Notquitespringdawn'; 'Joyful Noise'; 'Evensong') 10. 'Strange Birds Passing'. Al CD le acompaña un libreto de diez páginas con una breve nota introductoria del autor, el ensayo 'Toward An Ecocentric Music' escrito por David Shimoni, biografías de los intérpretes y varias ilustraciones musicales.


Formato: CD; Duración total: 45:23

lunes, 31 de enero de 2011

Luc Ferrari: "Visage 2; Après presque rien; Madame de Shanghai"


Luc Ferrari
Visage 2; Après presque rien; Madame de Shanghai
(mode 228)

16,85 EUR más gastos de envío - Pídelo

Luc Ferrari (1929-2005) fue un artista inquieto, curioso en extremo y que atesoró una carrera llena de interesantes propuestas. Siempre con la vista y el oído puestos hacia inéditos horizontes, se mostró receptivo al conocimiento de nuevas formas de arte y en especial de las diversas corrientes musicales contemporáneas. Sin embargo, nunca llegaría a comprometerse por completo con una ideología, técnica u estilo determinados. Su espíritu, abiertamente autónomo y crítico, le impedía aceptar actitudes dogmáticas en el arte y en multitud de ocasiones mostró su oposición a cualquier expresión excesivamente elitista de la llamada música culta. Autor de una extensísima producción, Ferrari fue un compositor versátil, comprometido socialmente, con buen sentido del humor, y que por encima de todo trató de hacer lo que le apetecía, aprendiendo siempre algo de todas y cada una de sus experiencias creativas.

El repertorio contenido en este segundo CD de la colección que Mode Records dedica al compositor francés, constituye, en cierto modo, el reflejo de una trayectoria musical diversa y en constante renovación. Aparecido en 2011, el registro cuenta con la impecable producción del mentado sello estadounidense y con el aliciente de descubrirnos dos piezas de Ferrari nunca antes grabadas: 'Visage 2' y 'Après presque rien'. Escrita a mediados de los años cincuenta para instrumentos de metal y percusión,
'Visage 2' surge de la inicial fascinación que el compositor sintió por el serialismo reinante en esa época. Según cuenta él mismo, en ella quiso explorar la confrontación física de dos cuerpos sexuales mediante la exhibición de una gestualidad elaborada con notas, ritmos e instrumentos. Cincuenta años después de su composición, doce integrantes de la formación Musiques Nouvelles, dirigidos por Jean-Paul Dessy, rescatan esa partitura y ofrecen una espléndida realización en forma de vibrante y colorista diálogo instrumental. 'Après presque rien', por su parte, fue un encargo compositivo de los grupos Art Zoyd, Musiques Nouvelles y el CCMIX de París. Una vez completada su serie célebre de cinco creaciones "presque rien" (1967-2001) -piezas, en su casi totalidad, producidas exclusivamente con sonidos fijados y que llevó a cabo con el propósito de equiparar la técnica del reportaje sonoro a la propia composición musical- Ferrari produce 'Après presque rien' en 2004 como reacción y colofón a ese ciclo. Escrita para catorce instrumentos (ejecutados aquí nuevamente por Musiques Nouvelles) y dos samplers (Patricia Dallio y Nathalie Négro), la obra intercala secuencias de una música instrumental directa, de apresurado desarrollo y alto contenido rítmico, con sonidos ambientales muy variados. Un espacioso y fulgurante juego de colisiones sónicas cuyo despliegue parece contravenir aquí cualquier posible representación de lo exiguo. Por último, 'Madame de Shanghai' surgió también por encargo; en esta ocasión, el efectuado por la formación de flautistas Trio d'Argent. Así pues, con el cometido de completar una nueva pieza para el repertorio concertístico de ese grupo cuyo tema general fuera Asia, Ferrari compuso 'Madame de Shanghai' en 1996 para tres flautas (interpretadas en esta realización por el Scottish Flute Trio) y cinta. Sonidos sintetizados y otros grabados durante un paseo por el centro comercial asiático en París (entre ellos, la voces de la joven china Li Ping Ting y el propio Luc Ferrari) constituyen un misterioso y sugestivo material al que responden las flautistas. Estas, procurando evocar aquí lo que el autor denomina como una suerte de espejo horizontal, ejecutarán insistentemente una misma nota y sobre ella generarán diversos eventos melódicos a modo de imágenes y sus reflexiones. 'Madame de Shanghai' es además un pequeño homenaje a la película de mismo título que Orson Welles dirigió e interpretó en 1947.

"Visage 2; Après presque rien; Madame de Shanghai" CD:
1. 'Visage 2' (1955-56); 2. 'Après presque rien' (2004); 3. 'Madame de Shanghai' (1996). Al CD le acompaña un libreto trilingüe (inglés, francés y alemán) de veinticuatro páginas con notas biográficas y un texto de Sabine Feisst a propósito de la música del compositor y de las obras incluidas en la grabación.

Formato CD: Duración total: 56:40

lunes, 8 de noviembre de 2010

Margaret Leng Tan: "She Herself Alone"



Margaret Leng Tan
She Herself Alone - The Art of the Toy Piano 2
(mode 221)

23,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Trece años después de la aparición del CD de Margaret Leng Tan "The Art of the Toy Piano" (Point/Universal), el sello Mode Records presenta ahora un nuevo registro dedicado a este inusual y delicado instrumento: el piano de juguete. Publicado en CD y también en DVD (sólo dispongo de stock en este último formato), "She Herself Alone - The Art of the Toy Piano 2" vuelve a contar con la magia y múltiples virtudes de Leng Tan, pianista de reconocido prestigio, particularmente por sus interpretaciones de la música de John Cage y George Crumb.

Ya sea compuesta específicamente para ella o proponiendo sus propios arreglos a una música que, en algunos casos, no fue escrita originalmente para piano de juguete, Leng Tan asume el reto con envidiable competencia y sobre todo con sensibilidad ante la diversidad estilística del repertorio. No en vano, le avalan sus diecisiete años de experiencia en esta singular actividad o que el New York Times la haya considerado como "la reina del piano de juguete". El DVD, producido a partir de las atractivas filmaciones que dirigió y realizó el artista videográfico español Anton Cabaleiro, incluye composiciones de
John Cage, Erik Griswold, Toby Twining, George Crumb, Jerome Kitzke, Ross Bolleter y Laura Liben.

Con la excepción de
'Suite for Toy Piano' de John Cage, compuesta únicamente para piano de juguete, en las restantes piezas del programa, Leng Tan combina a menudo la interpretación de ese piano con otros instrumentos de juguete, su propia voz y un piano Steinway. Así, resulta particularmente llamativo verla en 'Old MacDonalds Yellow Submarine' de Erik Griswold, acompañando sus pequeños Jaimar y Schoenhut (pianos de juguete utilizados en la grabación) con un piano preparado, una cajita de música, woodblocks, un silbato de tren, una bocina y un timbre de bicicleta; o en 'Hymn to Ruin', haciendo frente a la que quizá fuera su primera experiencia musical con un piano de juguete desvencijado, esa expresión en miniatura del original ruined piano del artista Ross Bolleter.

En el menú de contenidos, el DVD ofrece (en una versión sólo audio) la posibilidad de escuchar el repertorio allí incluido en sonido de alta calidad (96khz/24-bit estereo). A la edición le acompaña un libreto de doce páginas con varias fotografías, una nota biográfica de la intérprete, créditos de la grabación y el texto de la propia Leng Tan: 'A Toy is a Toy is (not) a Toy'.

"She Herself Alone - The Art of the Toy Piano 2"
DVD: John Cage 'Suite for Toy Piano' (1948); Eric Griswold 'Old MacDonald's Yellow Submarine' (2004); Toby Twining 'An American in Buenos Aires (A Blues Tango)' (2001); George Crumb 'Put My Little Shoes Away' (2008); Jerome Kitzke 'The Animist Child' (1994); John Cage 'Dream' (1948); Ross Bolleter 'Hymn to Ruin' (2010); Laura Liben 'She Herself Alone' (1996/2002). DVD-Video NTSC, todas las zonas.

Formato: DVD; Duración total: 60:00