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jueves, 21 de diciembre de 2023

Tom Johnson: "Música ilustrada / Illustrated Music"


Tom Johnson
Música ilustrada / Illustrated Music

(ISBN 978-84-7807-733-5)


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Dispongo de algunos ejemplares de este catálogo publicado con motivo de la exposición Tom Johnson. Música ilustrada, inaugurada el pasado 26 de octubre, y que puede ser visitada en el Centro José Guerrero de Granada hasta finales de enero de 2024.

 

Publicado en edición bilingüe (en castellano e inglés), el libro incluye los textos Minimalismo lógico y la libertad de la imaginación del poeta, artista, comisario de la exposición y editor del catálogo Eduard Escoffet, y La intricación de lo musical y de lo visual en Tom Johnson del autor y profesor de educación musical Gilbert Delor. "Música ilustrada / Illustrated Music" presenta además abundante material gráfico: 73 de sus 128 páginas cuentan con magníficas ilustraciones a propósito del trabajo del veterano compositor y artista estadounidense.

 

«Aunque es más conocido como compositor, Tom Johnson es autor de una obra plástica excepcional que discurre en paralelo a su obra musical o, por decirlo de un modo más preciso, forma parte integral de ella. En un vértice en el que confluyen música, minimalismo, matemáticas, performance y artes plásticas, Tom Johnson ha ido construyendo un mundo propio que parte de planteamientos muy complejos para desplegarse con sencillez y serenidad».

Libro

jueves, 12 de octubre de 2023

Catherine Christer Hennix: "Solo for Tamburium"


Catherine Christer Hennix
Solo for Tamburium

(BF-061)


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88 grabaciones de tamburas afinadas con absoluta precisión constituyen la materia prima de esta penetrante y espaciosa pieza musical de Catherine Christer Hennix (1948-2023) que Blank Forms Editions presentaba hace tan solo un mes editada en LP y CD (solo dispongo de unidades en este último soporte).

 

Hennix compuso "Solo for Tamburium" para la tercera edición de MaerzMusik - Festival for Time Issues, celebrada en marzo de 2017 en Berlín. Allí la interpretó ella misma valiéndose de un teclado de creación propia que le permitía controlar esas numerosas fijaciones sonoras del característico instrumento de la música indostánica. Con el estreno de "Solo for Tamburium" la artista sueco-estadounidense revisitaba su composición referencial de 1976, The Electric Harpsichord, considerada hoy por algunos como la obra maestra desconocida del minimalismo musical norteamericano del siglo pasado.

 

"Solo for Tamburium" CD: 1. 'Solo for Tamburium' (78:00)

 

Aquí puede escuchar el disco.

CD; Duración total: 78:00

miércoles, 21 de junio de 2023

Sarah Davachi: "Cantus, Descant / Figures in Open Air / Laurus"


Sarah Davachi
Cantus, Descant / Figures in Open Air / Laurus

(LMICDX)


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En el marco del simposio Songline Series que desde hace más de tres décadas organiza y presenta el Mills College, universidad californiana célebre por ser una de las cunas del experimentalismo norteamericano, Sarah Caroline Davachi (1987) dio en marzo de 2021 una videoconferencia titulada Psychoacoustics, Timbre, & Minimalism. En esos tres términos –en su significación–, la compositora e intérprete canadiense condensaba la esencia de su práctica artística. La suya es una música despaciosa, envolvente e íntima a la vez, que tiene principalmente en los instrumentos de teclado su medio de expresión.

 

Con el lanzamiento de "Cantus, Descant" (2LP/2CD, 2020), seguramente su disco de estudio más aclamado, Davachi inauguró la actividad de su propio sello Late Music. El álbum, dedicado esencialmente al órgano y sus diversas modalidades –órgano de iglesia, armonio, órgano eléctrico–, fue objeto de una dilatada y esmerada producción que la canadiense reconoció como una suerte de catarsis personal.

 

En torno a ese álbum Late Music editó además otras dos referencias, ambas publicadas asimismo en 2020: el doble CD "Figures in Open Air", en el que se incluyeron versiones alternativas de tres de las piezas presentadas en "Cantus, Descant", así como grabaciones en vivo correspondientes a conciertos protagonizados por Davachi en Berlín (2019), Chicago (2019) y San Francisco (2018); y la casete "Laurus" con grabaciones de seis piezas breves realizadas en un estadio inicial del proceso de composición de "Cantus, Descant".

 

En 2021 Late Music reunió todas esas grabaciones y las publicó en una edición especial presentada en un estuche de cartón rígido. Estuche que cuenta con cinco discos compactos y un libreto de dieciséis páginas.

 

"Cantus, Descant / Figures in Open Air / Laurus":

 

CD 1: [Cantus, Descant] 1. 'Stations II'; 2. 'The Pelican'; 3. 'Ruminant'; 4. 'Still Lives'; 5. 'Stations V'; 6. 'Midlands'; 7. 'Play the Ghost'; 8. 'Stations IV'.

 

CD 2: [Cantus, Descant] 1. 'Passing Bell'; 2. 'Hanging Gardens'; 3. 'Stations I'; 4. 'Gold upon White'; 5. 'Oldgrowth'; 6. 'Stations III'; 7. 'Canyon Walls'; 8. 'Badlands'; 9. 'Diaphonia Basilica'.

 

CD 3: [Figures in Open Air] 1. 'Live in Berlin'; 2. 'Ruminant' (versión); 4. 'Live in San Francisco' (fragmento).

 

CD 4: [Figures in Open Air] 1. 'Live in Chicago' [Liz Deitemyer y Matthew Oliphant, trompas]; 2. 'Canyon Walls' (instrumental); 3. 'Diaphonia Basilica' (versión) [Marianne Houle, violonchelo; Pietro Amato, trompa; Jessica Holmes, voz].

 

CD 5: [Laurus] 1. 'Herber Well'; 2. 'Laurus I'; 3. 'Laurus II'; 4. 'Accord of Voice I'; 5. 'Accord of Voice II'; 6. 'Laurus III'.

5CD; Duración total: 4 h 36 min

miércoles, 2 de noviembre de 2022

John McGuire: "Pulse Music"


John McGuire
Pulse Music

(UW036CD)


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John McGuire (Estados Unidos, 1942) produjo su serie Pulse Music I-III (1975-79) en Alemania, país al que acudió con voluntad de completar su formación musical, y donde residió prácticamente durante tres décadas. Reunidas por primera vez en disco –el sello Unseen Worlds lo presentaba, editado en CD, a finales del pasado mes de abril–, las tres piezas que integran la serie del compositor californiano reflejan la consecución de un lenguaje musical característico, basado en una permeabilidad efectiva entre la estética del minimalismo repetitivo norteamericano y las técnicas propias de la vanguardia serial.

 

De las tres composiciones, 'Pulse Music II' (1975-77) fue la única que McGuire no concibió para el medio electrónico; la escribió para cuatro pianistas y pequeño conjunto instrumental y su primera y única ejecución, precisamente la que nos ofrece esta grabación, tuvo lugar el 10 de mayo de 1978 en marco del festival Pro Musica Nova (Radio Bremen) dirigido por el compositor Hans Otte.

 

Las otras dos las realizó en Colonia en estudios de música electrónica: 'Pulse Music I' (1975-76) en la Hochschule für Musik, contando con la asistencia del ingeniero de sonido Marcel Schmidt; y 'Pulse Music III' (1978-79) en la Westdeutsche Rundfunk (WDR) con un sintetizador EMS Synthi 100.

 

El álbum incluye asimismo '108 Pulses' (1975), estudio previo a 'Pulse Music I' que McGuire produjo también en la Hochschule für Musik utilizando un sintetizador EMS VCS-3.

 

Paul V. Miller, autor del ensayo Serial Minimalist or Minimal Serialist? The Music of John McGuire, figura también como autor de las notas incluidas en el libreto que acompaña al CD. Libreto que además nos ofrece la transcripción de una extensa entrevista que el compositor concedió al escritor y docente Tim-Rutherford Johnson.

 

"Pulse Music" CD: 1. 'Pulse Music I' (1975-76) [21:44]; 2. 'Pulse Music II' (1975-77) [20:29]; 3. 'Pulse Music III' (1978-79) [24:15]; 4. '108 Pulses' (1975) [11:16].

 

Aquí puede escuchar 'Pulse Music I'.

CD; Duración total: 77:44

martes, 14 de junio de 2022

Terry Riley: "Keyboard Studies"


Terry Riley
Keyboard Studies

(at193)


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El productor musical Simon Reynell anunciaba el pasado mes de mayo la adición de cinco nuevas referencias discográficas al catálogo de Another Timbre, el sello de Sheffield que dirige con admirable dedicación desde hace quince años. Uno de esos discos es "Keyboard Studies" de Terry Riley (1935).

 

Compuestas hace casi sesenta años, 'Keyboard Study No. 1' y 'Keyboard Study No. 2' son obras fundacionales del minimalismo americano. El compositor californiano las escribió prácticamente al mismo tiempo que su célebre 'In C' (1964). Seguramente por eso comparten con ella un estilo muy similar.

 

A pesar de que ambas piezas hayan aparecido en disco en diversas ocasiones, Another Timbre nos las ofrece aquí en unas grabaciones particulares de archivo que ha cedido recientemente John Tilbury. Al parecer, el músico londinense las interpretó y grabó en una sola jornada en Hamburgo hace unos treinta años. Además de esos dos estudios, el CD incluye una versión para órgano eléctrico de 'Dorian Reeds' (1964) interpretada y grabada también por Tilbury en esa misma sesión. Riley la compuso originalmente para saxofón soprano y dos magnetófonos.

 

John Tilbury: piano, órgano eléctrico, clavicémbalo y celesta.

 

“Keyboard Studies” CD: 1. 'Keyboard Study No. 1' (1965) [17:50]; 2. 'Keyboard Study No. 2' (1965) [30:57]; 3. 'Dorian Reeds' (1964-5) [23:50].

 

Aquí puede escuchar un fragmento de 'Keyboard Study No. 1'.

CD: Duración total: 72:37

miércoles, 20 de octubre de 2021

Julius Eastman: "Three Extended Pieces for Four Pianos"


Julius Eastman
Three Extended Pieces for Four Pianos

(SR503)


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La obra de Julius Eastman (1940-1990) sigue concitando la atención de algunos incondicionales editores discográficos. Durante los últimos cinco años han aparecido casi una decena de nuevas referencias con música del enigmático compositor estadounidense. La más reciente es este doble disco compacto, "Three Extended Pieces for Four Pianos", publicado por Sub Rosa el pasado mes de julio.

 

El álbum presenta grabaciones actuales de 'Crazy Nigger', 'Evil Nigger' y 'Gay Guerrilla', tres emblemáticas partituras para múltiples pianos que Eastman escribió a finales de los años setenta. Obras que ya conocimos gracias al lanzamiento del primer registro comercial con música del compositor: el espléndido triple disco compacto "Unjust Malaise" (New World Records, 2005). Allí las encontramos grabadas en vivo con motivo de un concierto celebrado el 16 de enero de 1980 en la Universidad Northwestern. Figuraron como intérpretes en esa actuación Frank Ferko, Janet Kattas, Patricia Martin y el propio Julius Eastman. Hoy, cuatro décadas después de ese evento que significó el estreno de dos de esos tres extensos e insistentes himnos pianísticos, el sello belga nos los brinda todos ejecutados por un magnífico cuarteto de pianistas europeos formado por Melaine Dalibert, Stephane Ginsburgh, Nicolas Horvath y Wilhem Latchoumia. En esta ocasión la grabación tuvo lugar el 28 de septiembre de 2019 en el marco del Festival de Música Contemporánea de Estrasburgo.

 

Las notas del libreto incluido en la edición vienen a cargo de Mary Jane Leach, compositora y coeditora de Gay Guerrilla: Julius Eastman and His Music (University of Rochester Press, 2015).

 

“Three Extended Pieces for Four Pianos”:

 

CD 1: 1. 'Evil Nigger' (1979) 20:50; 2. 'Gay Guerrilla' (1979) 29:10.

 

CD 2: 1. 'Crazy Nigger' (1978) 55:10.

 

Aquí puede escuchar 'Evil Nigger'.

2CD; Duración total: 106:00

lunes, 30 de agosto de 2021

Tom Johnson: "Counting to Seven"


Tom Johnson
Counting to Seven

(NW80831-2)


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Cualquier nueva adición al catálogo de álbumes consagrados a la música de Tom Johnson (Colorado, 1939) es siempre una excelente noticia. El pasado mes de junio New World Records presentaba en disco, por primera vez, una grabación de "Counting to Seven", una singular partitura vocal que el compositor norteamericano completó en 2014 y cuyos principales antecedentes encontramos en otras dos antiguas composiciones suyas: "Counting Languages" y "Counting Duets", ambas de 1982.

 

Interpretadas por la formación francesa de música contemporánea Dedalus, las 18 piezas pertenecientes a la serie "Counting to Seven" que nos ofrece el disco fueron grabadas en estudio a finales de agosto del año pasado. El grupo ya había estrenado la obra el 20 de febrero de 2014 en una actuación celebrada en el espacio parisiense La Générale.

 

Johnson escribió "Counting to Seven" para siete voces y una treintena de lenguas del mundo. Lenguas más o menos conocidas, vivas y muertas, representativas en cualquier caso de los distintos continentes. Es característica común de todas y cada una de las piezas de la serie que los intérpretes cuenten hasta siete de viva voz –en ocasiones acompañándose de percusión–. Sin embargo, el ejercicio enumerativo concreto a desplegar en cada caso viene determinado en buena medida por la sonoridad propia de la lengua elegida. En el ensayo incluido en el libreto de la edición, la autora Christine Lucia analiza breve e individualmente las 18 propuestas. El libreto cuenta además con reproducciones en miniatura de las partituras correspondientes a 'Muruwari' y 'Russian'.

 

Dedalus: Didier Aschour, Amélie Berson, Cyprien Busolini, Alessandra Giura Longo, Tom Johnson, Thierry Madiot, Fabrice Villard y Deborah Walker.

 

“Counting to Seven” CD: 1. French [1:31]; 2. Maninke (o Malinke) [4:22]; 3. Okinawan [2:33]; 4. Irish Gaelic [2:20]; 5. Tajik (o Tadjik) [5:11]; 6. Amerindian [3:59]; 7. Muruwari [2:52]; 8. German & Turkish [4:34]; 9. Indonesian [4:39]; 10. Russian [1:23]; 11. Mandarin [2:14]; 12. Swahili [1:52]; 13. Japanese [1:17]; 14. Georgian [3:06]; 15. South Pacific [4:07]; 16. Hungarian [1:08]; 17. Crobo (o Krobo) [11:30]; 18. Hebrew [1:32].

 

A propósito de "Counting to Seven": Tom Johnson: Illustrated Music #13, Recounting Counting.

CD; Duración total: 60:09

miércoles, 28 de abril de 2021

Steve Reich: "Double Sextet; Radio Rewrite"


Steve Reich

Double Sextet; Radio Rewrite

(HMU907671)


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1. – 3. ‘Double Sextet’ (2007) 21:55; 4. – 8. 'Radio Rewrite’ (2013) 17:50. 

 

En agosto de 2016, un año después del lanzamiento de la exitosa “Music for 18 Musicians” (HMU907608), grabación que supuso el debut discográfico del Ensemble Signal para Harmonia Mundi, el sello publicó este segundo álbum con dos nuevas composiciones de Steve Reich (Estados Unidos, 1936) interpretadas asimismo por el conjunto neoyorquino que dirige Brad Lubman: ‘Double Sextet’, merecedora de un premio Pulitzer en 2009, y ‘Radio Rewrite’, conocida fundamentalmente por su vinculación con cierto material armónico y melódico correspondiente a dos canciones del grupo británico de rock Radiohead.

 

Ambas obras fueron grabadas en la ciudad de Troy (Nueva York), en la sala de conciertos del Curtis R. Priem Experimental Media and Performing Arts Center (EMPAC): ‘Double Sextet' en marzo de 2011, y ‘Radio Rewrite’ el 24 enero de 2016. El libreto en que acompaña al CD cuenta con notas a cargo del compositor David Lang.

 

Aquí puede escuchar el primer movimiento de 'Double Sextet'.

CD; Duración total: 39:47
 

lunes, 12 de abril de 2021

Branden W. Joseph: "Beyond the Dream Syndicate: Tony Conrad and the Arts after Cage"


Branden W. Joseph
Beyond the Dream Syndicate: Tony Conrad and the Arts after Cage

(ISBN: 978-1-890951-87-0)


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En el prefacio del libro que presentamos, el autor Branden W. Joseph agradece a Tony Conrad (Estados Unidos, 1940-2016) que le confiara el relato de su historia, pues bien podría haberla contado el propio artista. "Beyond the Dream Syndicate: Tony Conrad and the Arts after Cage" (Zone Books, 2008) nos descubre la trayectoria creativa, disidente y multidisciplinar, del artífice de Early Minimalism y The Flicker. Una trayectoria generadora de logros individuales y destacadas colaboraciones. Joseph la recorre detalladamente, analizando las interconexiones existentes entre las diversas escenas artísticas de Nueva York en los años sesenta. En torno a su figura, el texto nos ilustra además acerca del trabajo de artistas como Robert Morris, Henry Flynt, Jack Smith, John Cale, Lou Reed o La Monte Young, entre otros.

 

Presentado en encuadernación rústica, el libro cuenta con 489 páginas y 78 ilustraciones en blanco y negro.

Libro

lunes, 29 de marzo de 2021

Michael Winter: "single track"


Michael Winter
single track

(at170)


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En el libro Matters Computational, del autor alemán Jörg Arndt, Michael Winter (1980) halló en forma de algoritmo el recurso compositivo que le permitiría completar "single track", una partitura que escribió en 2015 para el conjunto instrumental mexicano Liminar (Alexander Bruck, viola; Omar López, saxofón barítono; Wilfrido Terrazas, flauta bajo; Jorge Amador, violonchelo; Mónica López Lau, flauta dulce Paetzold; Antonio Rosales, clarinete bajo; Jonnathán Méndez, contrabajo).

 

Grabada en el estudio NAFF Audio de Ciudad de México, "single track" ocupa íntegramente el álbum que aquí presentamos, el cuarto del compositor estadounidense y el primero publicado en el sello inglés Another Timbre. Su lanzamiento se produjo el pasado 30 de enero.

 

“single track” CD: 1. 'single track' (2015) 45:53.

 

Aquí encontrará la partitura de "single track”.

 

Aquí puede leer una entrevista con el compositor Michael Winter.

 

Aquí puede escuchar un fragmento del disco.

CD; Duración total: 45:53

lunes, 20 de julio de 2020

Ulrich Krieger y varios artistas: "Wall of Sound"

Ulrich Krieger y varios artistas
Wall of Sound

(SR478)


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Los muros de sonido que nos presenta el saxofonista y compositor alemán Ulrich Krieger (1962) resultan inequívocos. Su eficacia estriba en el invariable planteamiento que todos ellos comparten al ser levantados. Sin artificio ninguno, llegarán directos al oyente como continuos resonantes a los que abandonarse irremediablemente.

 

Reunidos en este triple CD, publicado por Sub Rosa el pasado mes de abril, encontramos 14 de estos muros. Los incluidos en el primer disco –Drones– fueron compuestos a partir de simples notas o acordes mantenidos prolongadamente; los del segundo –Patterns– se basaron en concisos motivos melódicos que se repiten una y otra vez; y los del tercero –Noises– se sirvieron de diversas texturas hechas con sonidos inarticulados.

 

A excepción de la pieza del músico polaco Zbigniew Karkowski (1958-2013) y las de los alemanes Boris Hegenbart (1969) y Ulrich Krieger (1962), figuran como autores de los demás muros que nos brinda este extenso álbum compositores exclusivamente norteamericanos: James Tenney (1934-2006), John Cage (1912-1992), Alvin Lucier (1931), Phill Niblock (1933), Philip Glass (1937), Steve Reich (1936), Terry Riley (1935), Lee Ranaldo (1956), John Duncan (1953).

 

Como único intérprete de todas las obras incluidas en "Wall of Sound", Ulrich Krieger utilizó, además de los saxofones soprano, alto, tenor y barítono, un saxofón tenor eléctrico, un clarinete, varios didgeridoos, una mesa amplificada, 8 micrófonos, múltiples pedales y dispositivos electrónicos.

 

11 de las 14 obras fueron grabadas en varios estudios de Berlín entre 1993 y 2007. La grabación de 'Didjeridoos and Don'ts' tuvo lugar en la sede de Experimental Intermedia Foundation (Nueva York), en 1993. Y las de 'In Memoriam Jon Higgins' y 'Give me some feedback' fueron efectuadas en 2015 en el estudio π-farm de la pequeña localidad californiana de Acton.

 

Un libreto de 16 páginas con notas en inglés viene incluido junto a los 3 discos.

 

CD 1: Drones 1. James Tenney 'Saxony' (1978) 25:10; 2. John Cage 'Four5' (1991) 12:09; 3. Alvin Lucier 'In Memoriam Jon Higgins' (1989) 20:02; 4. Phill Niblock 'Didjeridoos and Don'ts' (1992) 14:10.

 

CD 2: Patterns 1. Philip Glass 'Music in Fifths' (1968) 11:24; 2. Steve Reich 'Pendulum Music' (1969) 7:29; 3. Terry Riley 'Dorian Reed' (1964) 32:05; 4. Philip Glass '1+1' (1968) 4:38; 5. Steve Reich 'Reed Phase' (1967) 14:29.

 

CD 3: Noises 1. Lee Ranaldo 'Elegy for WTC' (2001) 10:06; 2. Boris Hegenbart 'u-getriebe' (1998) 9:15; 3. Zbigniew Karkowski 'Execution of Intelligence' (2003) 12:27; 4. Ulrich Krieger 'Give me some feedback' (1991/2015) 12:29; 5. John Duncan ‘Channel Zone’ (2001) 25:32.


3CD; Duración total: 211:00


lunes, 4 de mayo de 2020

Emmanuel Holterbach: "Ricecar nell'ombra"

Emmanuel Holterbach
Ricecar nell'ombra
(at151)

13,50 EUR más gastos de envío - Agotado

Del conjunto de novedades discográficas presentadas por Another Timbre el pasado mes de marzo, me permito destacar este álbum del que dispongo de unas pocas unidades a la venta.

“Ricecar nell’ombra (vuoto, energia, rilievo)” (2018) es el resultado de la colaboración musical entre el compositor y artista sonoro lionés Emmanuel Holterbach (1971) y el grupo florentino Blutwurst [Cristina Abati, viola; Marco Baldini, trompeta; Maurizio Costantini, contrabajo; Daniela Fantechi, acordeón; Michele Lanzini, violonchelo; Edoardo Ricci, clarinete bajo; y Luisa Santacesaria, armonio]. Desde mayo de 2018 trabajaron juntos en esta composición instrumental que el francés concibió como un homenaje a cierta tradición musical italiana.

La obra, finalmente grabada en marzo de 2019, se basó en la brevísima melodía inicial contenida en ‘Ricecar III’, pieza del músico y compositor renacentista Francesco Guami Lucchese (1543-1602). Concentrados en ella, en ese limitado material sonoro de apenas unas notas, Holterbach y los siete instrumentistas de Blutwurst lograron tejer un dilatado tapiz musical de tono claramente introspectivo y cargado de sutilezas tímbricas.

“Ricecar nell’ombra (vuoto, energía, rilievo)” CD: 1. ‘Ricecar nell’ombra (vuoto, energía, rilievo)' (2018) 46:08.

Aquí puede escuchar un fragmento de ‘Ricecar nell'ombra’.

CD; Duración total: 46:08

miércoles, 25 de marzo de 2020

Charlemagne Palestine & Rrose: "The Goldennn Meeenn + Sheeenn"



Charlemagne Palestine & Rrose
The Goldennn Meeenn + Sheeenn
(EAUX1291)

11,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

1. 'The Goldennn Meeenn + Sheeenn' (37:31).

En noviembre de 1979, en el marco del Festival d’Automne à Paris, Charlemagne Palestine presentó una versión revisada de una de sus piezas emblemáticas de música repetitiva, "The Golden Mean" (1976), tocándola simultáneamente en dos pianos Bösendorfer Imperial. Cuatro décadas después, el músico y artista neoyorquino volvió a presentarla, bautizada ahora como "The Goldennn Meeen + Sheeenn", junto a la enigmática instrumentista Rrose. Lo hicieron en un concierto que tuvo lugar en el Teatro Graslin de la ciudad de Nantes el 17 de marzo de 2018. Una actuación incluida en la segunda edición del Festival Variations (Musiques pour pianos et claviers) y cuya grabación fue objeto de esta referencia discográfica aparecida en el mes de abril del año pasado en el sello Eaux. Dispongo de unas pocas unidades del CD a la venta. 

Aquí puede escuchar un fragmento de la obra.

CD; Duración total: 37:31

miércoles, 8 de enero de 2020

Phill Niblock: "Music for Organ"

Phill Niblock
Music for Organ
(MATME005CD)

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El sello Matière Mémoire Éditions presentaba, hace tan solo unas semanas, el nuevo álbum de Phill Niblock (Anderson, Indiana, 1933). Aparecido en una edición limitada a 300 ejemplares y publicado tanto en LP como en CD (solo dispongo de unidades en este último soporte), “Music for Organ” nos ofrece dos extensas creaciones del compositor americano grabadas por primera vez: ‘Unmounted / Muted Noun’ para órgano y 4 pistas pregrabadas, realizada en 2019 por encargo de Musica Festival Strasbourg, y 'Nagro (Aka - Organ)’ (2007) para órgano y cinta (producida en Austria con los sonidos de un órgano Joseph Gatto [1787]). Como intérprete en ambas obras figura el organista de origen sueco Hampus Lindwall. La sesión de grabación se produjo en una sola jornada, el 23 de septiembre de 2019, en la iglesia Collégiale Sainte-Waudru de la ciudad belga de Mons. Una sesión a la que además tuvo ocasión de asistir el propio compositor.

1. ’Unmounted / Muted Noun’ (2019) 24:08; 2. ’Nagro (Aka - Organ)’ (2007) 20:59.

Aquí puede escuchar ambas obras.

CD; Duración total: 45:18

viernes, 25 de octubre de 2019

Julius Eastman: "Femenine"

Julius Eastman
Femenine
(at137)

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El lanzamiento, el pasado mes de marzo, de esta magnífica grabación de “Femenine” (1974) contribuye a agrandar el interés que la música del singular compositor afroamericano Julius Eastman (1940-1990) ha suscitado a lo largo de los últimos años.

Tras el descubrimiento del único registro existente de la obra –una actuación en vivo de finales de 1974 protagonizada por la S.E.M. Ensemble, con el propio Eastman al piano– que el pequeño sello finlandés Frozen Reeds publicó en disco compacto en verano de 2016, aparece ahora esta nueva referencia discográfica en Another Timbre, brindándonos una grabación actual y nítida de esta maravilla del minimalismo musical que es “Femenine”. En esta ocasión, la interpretación corre a cargo del grupo londinense Apartment House [Simon Limbrick, vibráfono; Kerry Yong, piano; Mark Knoop, teclado; Mira Benjamin, violín; Anton Lukoszevieze, violonchelo; Emma Williams, flauta; Gavin Morrison, flauta].

“Femenine avanza desde una simple célula rítmica de dos notas tocada en el vibráfono y repetida a lo largo de toda la pieza, mientras de fondo nos acompaña una cortina auditiva asincrónica de cascabeles. Gradualmente, los instrumentos se unen a esta célula, fundiéndose con ella e interactuando de maneras muy, muy distintas, de tal modo que el progreso de la pieza se asemeja mucho a un viaje o al despuntar de muchas flores hermosas” (Anton Lukoszevieze).

“Femenine” CD: 1. ‘Femenine' (1974) 67:22.

Aquí puede escuchar un fragmento de ‘Femenine’.

CD; Duración total: 67:22

miércoles, 14 de noviembre de 2018

Ernstalbrecht Stiebler: "Im Klang sein"

Ernstalbrecht Stiebler
Im Klang sein
(WE0030)

16,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Las tres composiciones comprendidas en “Im Klang sein”, segundo álbum de Ernstalbrecht Stiebler (Berlín, 1934) para el sello Maria de Alvear World Edition, continúan en la senda musical de radical austeridad y concentración iniciada ya en 1963 con su trío de cuerda ‘Extension I’. Disidió entonces de la vanguardia musical imperante, adoptada por una buena parte de sus colegas contemporáneos, al propugnar en su lugar una concepción fundamentalmente basada en la esencia de lo sonoro, en la experiencia perceptiva considerada en sí misma. Hoy, más de medio siglo después, Stiebler persiste fiel a esa idea: "Encontrarse dentro del sonido —sin esperar nada— sin momentos bellos— sin grandes emociones— sin destreza artística— solo siguiendo, nota a nota, un sonido que lleva la música, un sonido dentro del sonido”. Así reza precisamente el inicio de una nota introductoria escrita por él mismo que se incluye en el libreto que acompaña a este CD.

‘Three in One II’, escrita para la formación instrumental L’ART POUR L’ART (Astrid Schmeling, flauta; Hartmut Leistritz, piano; Matthias Kaul, percusión), llega aquí producida por Radio Bremen. Fue grabada el 17 de septiembre de 2015 en la sala principal de conciertos de esa radio alemana. Con interpretación a cargo de la hr-Sinfonieorchester. ‘De-crescendo’, fue grabada el 18 de marzo de 2014 en la sala principal de conciertos perteneciente a la radio pública de la ciudad de Fráncfort. Por último, Tobias Gerber (saxofón), Sebastian Hofmann (percusión) y Raffael Rütti (piano), los tres integrantes de Ensemble WERKTAG, se encargan de la ejecución de ‘Im Klang sein’, cuya grabación tuvo lugar el 14 de enero de 2015 en Radiostudio Zürich.

1. 'Three in One II' (15:13); 2. ‘De-crescendo’ (11:28); 3. ‘Im Klang sein' (20:33).

CD: Duración total: 47:32

Asimismo disponible: Ersntalbrecht Stiebler "Unisono Diviso"

domingo, 18 de febrero de 2018

Philip Glass: "Music in Twelve Parts"

Philip Glass
Music in Twelve Parts
(OMM0049)

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Dispongo únicamente de doce ejemplares de esta edición discográfica aparecida en 2008 en el sello Orange Mountain Music. Se trata de una espléndida grabación de una de las obras magnas del veterano compositor Philip Glass (Baltimore, 1937). Compuesta para diversos instrumentos de viento amplificados, teclados eléctricos y una voz soprano, “Music in Twelve Parts” es un hito de la música repetitiva americana. Glass la escribió entre 1971 y 1974 para su grupo: The Philip Glass Ensemble. Sus doce partes aluden tanto al número de secciones que integran la obra como al número de líneas musicales para las que fue originalmente concebida. Glass ha dicho de ella que puso fin a su etapa minimalista a la vez que reveló muchas de las ideas estructurales y armónicas que desarrollaría en sus siguientes trabajos.

“Music in Twelve Parts” fue estrenada en el Town Hall de Nueva York el 1 de junio de 1974 ante una audiencia superior al millar de personas. Aquí nos llega en una grabación en vivo efectuada por Dan Dryden, el 8 de abril de 2006, en la ciudad italiana de Rovereto.

The Philip Glass Ensemble: Michael Riesman, director musical y teclados; Lisa Bielawa, voz; Jon Gibson, saxofón soprano y flauta; Dan Dryden, mezcla sonora en vivo; Philip Glass, teclados; Richard Peck, saxofones alto y tenor; Mick Rossi, teclados; Andrew Sterman, flauta, saxofón soprano y flautín.

“Music in Twelve Parts”:

CD 1: 1. – 3. ‘Parts 1, 2, 3’ (48:54).

CD 2: 1. – 3. ‘Parts 4, 5, 6’ (53:14).

CD 3: 1. – 3. ‘Parts 7, 8, 9’ (51:51).

CD 4: 1. – 3. ‘Parts 10, 11, 12’ (50:30).


4CD; Duración total: 204:29

viernes, 3 de noviembre de 2017

Jon Gibson: "The Dance"

Jon Gibson
The Dance
(OMM 7007)

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“The Dance” incluye música para diversas producciones coreográficas escrita por el veterano músico, compositor y artista visual Jon Gibson (Los Angeles, 1940). Figura vinculada estrechamente al minimalismo musical americano, Gibson fue miembro fundador e instrumentista de la Philip Glass Ensemble. Además ha colaborado, entre otros, con los compositores Steve Reich -’Reed Phase’ fue compuesta expresamente para él-, Arthur Russell y Terry Riley.

1. ‘Stalling Into Elation’ (11:45); 2. ‘Three Lives and Something’ (17:59); 3. ‘Extensions II’ (10:04); 4. ‘Down the Road’ (11:04); 5. ‘Song 3’ (4:51); 6. ‘Whistles and Dogs’ (2:55).


Música compuesta e interpretada por Jon Gibson. ‘Extensions II’ cuenta con la colaboración interpretativa de Bill Ruyle (bongós) y John Snyder (caracola y rainstick). Todas las grabaciones tuvieron lugar en la ciudad de Nueva York: ‘Stalling Into Elation’, ‘Three Lives and Something’ y ‘Whistles and Dogs’ en Mercer St. Sound; ‘Extensions II’ en los Looking Glass Studios; ‘Down the Road’ en Ibeam, Brooklyn; y ‘Song 3’ en Stable, Brooklyn. ‘Stalling Into Elation’ está dedicada a la memoria de Nancy Topf (1942-1998), coreógrafa, bailarina y esposa de Gibson. Orange Mountain Music, 2013.

CD; Duración total: 59:49

martes, 2 de mayo de 2017

David Toub: "Ataraxia"

David Toub
Ataraxia
(WECD0029)

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A diferencia de mis anteriores obras atonales y dodecafónicas, mi música desde 1981 se ha caracterizado por el uso de la repetición, y, desde 2004, por una dinámica generalmente suave. Aunque frecuentemente se la ha denominado como ‘minimalista’ o ‘postminimalista’, yo prefiero llamarla ‘música focalizada’, ya que mis composiciones tienden a centrarse en un número de elementos musicales muy específicos y a menudo limitados”.

Son palabras de David Toub (Newark, NJ, 1961), compositor que compagina la dedicación a la escritura musical con su trabajo como director médico de la empresa de salud ginecológica Gynesonics. Palabras que leemos en el libreto que se incluye en la edición de “Ataraxia”, el cuarto álbum del autor estadounidense y vigésima novena referencia discográfica del catálogo de Maria de Alvear World Edition.

El CD contiene primeras grabaciones de sus partituras ‘Quartet for piano’ y ‘For four’, ambas interpretadas al piano -un Bösendorfer 225- por Stephane Ginsburgh. Las grabaciones tuvieron lugar en el Studio Igloo de Bruselas el 10 de septiembre de 2015.

Contrariamente a lo que podría sugerir el título de la pieza, ‘Quartet for Piano’ no fue escrita para piano y tres instrumentos más. El único piano presente aquí toca cuatro líneas separadas de notas como si se tratase de cuatro instrumentos distintos. En ocasiones, una o dos de estas líneas discurren a velocidad desigual respecto de las otras. Toub escribió ‘Quartet for piano’ en 2010, dedicándola a tres pianistas de su estricta confianza: Louis Goldstein, Alessandra Celletti y el propio Stephane Ginsburgh.

Junto a ‘300’ y ‘hevron-deir yassin’, ‘For four’, concebida para cuatro instrumentos o para piano, pertenece a un grupo de composiciones que se caracterizan por presentar sucesiones de acordes estáticos seguidos de breves periodos de silencio. Su dinámica viene señalada en la partitura en ppp, y el rango de tempo indicado permite que la ejecución de la pieza pueda durar un mínimo 23 y un máximo de 46 minutos. Toub compuso ‘For four’ a lo largo de cinco jornadas consecutivas del mes de diciembre de 2012.

El libreto antes mencionado que acompaña al CD cuenta con la transcripción en inglés de una interesante conversación que el autor, David Toub, mantuvo recientemente con quien fue el productor del registro, el músico y compositor alemán Udo Moll. El título genérico de la edición, “Ataraxia”, alude a la imperturbable quietud de la música presentada en el disco.

"Ataraxia" CD: 1. 'Quartet for piano' (2010) 46:38; 2. 'For four' (2012) 22:58.


CD; Duración total: 69:45

lunes, 14 de noviembre de 2016

Ernstalbrecht Stiebler: "Unisono Diviso"

Ernstalbrecht Stiebler
Unisono Diviso
(WE0007)

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"Zeile für Zeile" es el título de una película sobre el compositor Ernstalbrecht Stiebler (Berlín, 1934) que Viola Rusche y Hauke Harder realizaron y presentaron en 2014. Con ella se contribuía a hacer algo más visible la interesante personalidad musical de este veterano autor alemán que además ejerció, entre 1969 y 1995, como productor radiofónico al frente del Departamento de Nueva Música de la Hessischer Rundfunk. Desde allí, Stiebler llevó a cabo una labor tenaz de promoción y difusión de la música de compositores experimentales, particularmente la de los integrantes de lo que se conoció como The New York School: John Cage, Morton Feldman, Earle Brown y Christian Wolff.

Su inclinación hacia los experimentadores americanos se remonta a su época formativa –alrededor de finales de los cincuenta-, cuando asistió en Darmstadt a varias conferencias impartidas por el propio Cage y tuvo ocasión de conocer la música de este y, especialmente, la de Feldman, que le causó una gran impresión. También en esos días asiste a un curso de composición instruido por Karlheinz Stockhausen en el marco de los Internationale Ferienkurse für Neue Musik (IFNM). Sin embargo, Stiebler pronto mostrará su incomodidad y rechazo por la complejidad matemática y tacticismo exhibidos en la propuesta serialista del autor de "Gruppen" y "Gesang der Jünglinge".

Una de las primeras partituras que escribió nuestro compositor fue 'Extension I' (1963) para trío de cuerda (Violín, viola y violonchelo). Contenida en el CD "Unisono Diviso" (Maria de Alvear World Edition, 2003) que aquí presentamos, 'Extension I' constituye su reacción manifiesta a las anteriores experiencias con la armonía y el contrapunto tradicionales, así como a las técnicas seriales aprendidas. Además, marca el punto de partida hacia lo que el propio Stiebler denominó como una "nueva continuidad elemental".

Prácticamente toda su música desde esa fecha se caracterizará por una obstinada exploración de la sonoridad en su complejidad. Cada nueva partitura que escriba la concebirá como un viaje recurrente al interior del sonido. Prescindirá de todo rasgo temático o de cualquier gesto retórico para centrarse plenamente en las cualidades del material sonoro utilizado. Por consiguiente, ya sea combinando esos tres instrumentos de cuerda en 'Extensión I' (1963), el clarinete, el violonchelo y el contrabajo en 'Extensión III' (1979), o los de toda una orquesta sinfónica en 'Unisono Diviso' (1999) –por hablar solo de los tres trabajos comprendidos en esta grabación-, Stiebler procede fundamentalmente de un mismo modo: proyectando una sucesión de líneas sonoras que, suspendidas en el espacio, envuelvan al oyente en un experimento perceptivo.

Apenas unos pocos sonidos cuyas alturas resultan muy próximas serán aquí llamados a coincidir, a compartir un mismo ambiente de continuada quietud mesurada. Más o menos mantenidos en el tiempo, seguidos o entrelazados, y repetidos una y otra vez, esos sonidos en suspensión deben contribuir a agudizar nuestra atención. Deben invitarnos a descubrir aquellos sutiles acontecimientos microtonales y aquellas leves inflexiones tímbricas que inevitablemente dimanan de la propia convivencia y del ejercicio interpretativo.

Producidas en el marco de la antes citada Hessischer Rundfunk, 'Extension I' y 'Extension III' fueron grabadas en 1998 y 1982, respectivamente. La primera de ellas llega aquí interpretada por el Trio Recherche (Melise Mellinger, violín; Barbara Maurer, viola; Lucas Fels, violonchelo). Y 'Extension III' cuenta con la ejecución de Hans-Wilhem Goetzke (clarinete), Susanne Müller-Hornbach (violonchelo) y Timm-Johannes Trappe (contrabajo). ‘Unisono Diviso’ fue grabada con ocasión de un concierto que ofreció la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, el 10 de septiembre de 1999, en el auditorio de la Hessischer Rundfunk.

"Unisono Diviso" CD: 1. 'Unisono Diviso' (1999) 29:03; 2. 'Extension I' (1963) 15:06; 3. 'Extension III' (1979) 18:00.

CD; Duración total: 61:54